"Siate ossessionati"

Lavorare con le immagini è la fortuna più grande che possa capitare.
Bisogna vivere ogni momento del giorno con gli occhi e la mente
pronti a catturare le immagini intorno a noi.

chi sono

che c'è di nuovo

racconti11/03/2024
Dalle fanzine al webIl nuovo saggio di Francesco Ciaponi racconta come la cultura underground sia alla base del mondo digitale La copertina di “Fanzine Culture” Francesco Ciaponi, a mio avviso il massimo esperto di culture underground in Italia, è tornato con “Fanzine Culture”, saggio pubblicato da Flacowski editore. Il sottotitolo del volume, quanto mai esplicativo, è: “ciò che viviamo in rete era già nella carta”. Ed è proprio questa la tesi di Ciaponi, che ci sia un filo diretto tra il fenomeno delle fanzine cartacee e la comunicazione digitale che sempre di più scandisce i nostri ritmi quotidiani e determina le nostre abitudini. Cos’è una fanzine Ma andiamo con ordine e – seguendo la struttura del saggio – capiamo innanzitutto cos’è una fanzine. Si tratta di un tipo di pubblicazione che non fa parte del cosiddetto mercato editoriale ufficiale o mainstream ma di un mondo sotterraneo con regole commerciali diverse se non addirittura inesistenti. “Sniffin’ Glue”, punkzine inglese (1976-77) Il comune denominatore delle fanzine è un forte interesse per uno specifico argomento, che per forza di cose porta a comunicare con altri appassionati di quello stesso tema. Si crea in questo modo una vera e propria comunità. E già da queste prime affermazioni il collegamento alle cosiddette community dei social network è evidente. Il giornale dei fan Il termine fanzine ha origine dalla contrazione delle parole inglesi fan e magazine. E infatti furono proprio gli appassionati di fantascienza nordamericani – ci svela Francesco Ciaponi – che nella prima metà del secolo scorso diedero vita a questo particolare mezzo di comunicazione. “Futuria fantasia”, fanzine di fantascienza creata da Luigi Cozzi nel 1963 Il volume ripercorre con precisione e completezza d’informazione la storia delle fanzine e dei movimenti underground che ne furono testimoni. Sin da subito il successo e la diffusione di questo tipo di pubblicazione furono immediati e dilaganti, rendendo questi fogli male allestiti e spesso realizzati in maniera dilettantistica un mezzo di comunicazione di massa. E, come tale, in grado di rispondere alle dinamiche che si innescano tra emittente e ricevente che – nel caso delle fanzine – hanno ruoli e interessi spesso sovrapposti. Infatti, sebbene le fanzine siano un mezzo di comunicazione come altri, hanno la grande capacità di mettere in reciproco contatto gli individui, nonché di consentire lo scambio più o meno continuo e regolare di messaggi attraverso pratiche che si contrappongono nettamente a quelle accettate nel mondo dell’editoria e, più in generale, della comunicazione mainstream. “Slash” (los Angeles, 1977) e “Kill Your Pet Puppy” (Londra, 1979) Fanzine e Punk Proseguendo nel racconto storico di queste pubblicazioni, nota ancora Ciaponi che fu il movimento punk negli anni Settanta a salire a bordo di questo nuovo e imprevedibile medium. Il punk lo trasformò nel proprio organo principale di diffusione e di proselitismo, sia in Europa che negli Stati Uniti d’America e in tutto il mondo. “Search and Destroy” (Los Angeles, 1979) E fu quello il momento in cui punk e immagine grafica delle fanzine si sovrapposero perfettamente, trovando reciprocamente il completamento l’uno dell’altro. Proprio come il fenomeno della musica punk, i layout delle pagine di queste pubblicazioni partivano da un design dilettantistico e arrivavano all’eccellenza creativa, tanto erano diretti, potenti e immediati. Il fai-da-te redazionale e grafico si basava su una ricerca vastissima e un accumulo di materiali imponente, che poi veniva assemblato con improvvisazione e adattamento ma anche con grande creatività. “Punkanimazione”, punkzine torinese (1985) La scommessa di “Fanzine Culture” Ed è anche questa l’eredità che unisce la cultura delle fanzine con il mondo del web: l’enorme quantità di materiali cartacei ritagliati, scomposti e ricomposti fa il paio con la massa di idee ed espressività dei nuovi media digitali. Spiega Ciaponi: “La scommessa di “Fanzine Culture” consiste proprio nel tentativo di dimostrare come, nei rispettivi contesti, esistano numerose linee di continuità e divergenze fra mondo digitale e fanzine, due tipologie di media a prima vista così distanti eppure, a guardare meglio, così profondamente simili”. La prefazione di Alberto Forni, giornalista esperto di controculture, rende il volume ancora più completo, aggiungendo la testimonianza di chi l’epoca d’oro delle fanzine l’ha vissuta da protagonista. Forni racconta infatti la sua esperienza del 1992 quando, cavalcando l’onda del desktop publishing e del fai-da-te, creò ASK!, fanzine che si occupava di musica e – in particolare – del nascente fenomeno musicale del britpop. Il professor Ciaponi è tornato, quindi, con un saggio dei suoi: laterale, originale, documentato e necessario per tutti quelli che amano l’editoria, sia essa cartacea o digitale. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti08/01/2024
Illustratori innamorati a MilanoIl libro “The Milaneser – la città che stiamo diventando” è una creativa dichiarazione d’amore alla città lombarda La cover del libro disegnata da Carlo Stanga rappresenta lo studio del grande designer Achille Castiglioni Lo ammetto. Verso il progetto “The Milaneser”, ora presentato in un bel volume pubblicato da Bonvini, sono stato inutilmente e negativamente prevenuto. Ma ho tutte le attenuanti del caso, una in particolare: sono romano. E da questa distanza – da Roma – le cose milanesi si osservano da lontano e con un certo birignao. Credo la stessa cosa accada al contrario. Poi in realtà quando ci si avvicina, quando le due città – per conto dei loro abitanti – entrano in contatto, improvvisamente le divergenze scompaiono e si scopre di essere tutti dalla stessa parte del fiume. La genesi del progetto Anche per questo il libro omonimo uscito per le edizioni Bonvini è importante: raccoglie e determina la prima fase di un lavoro iniziato nel 2020 grazie all’intuizione di Lara Aldeghi e Stefano Joker Lionetti dello studio creativo Zetalab. Che ha sede – non a caso – proprio a Milano. I due professionisti hanno notato e studiato l’esperienza di “The Parisianer”, collezione di copertine illustrate che fu lanciata a Parigi nel 2013 dall’illustratrice Aurélie Pollet insieme al grafico Michael Prigent. I due creativi francesi si rifacevano a loro volta al settimanale “The New Yorker” che dal 1925, anno della sua fondazione, ha sempre pubblicato cover illustrate, disegnate nel tempo dai maggiori artisti internazionali. E diventando un cult, un punto d’arrivo per intere generazioni di illustratori che sognano – prima o poi – di riuscire a disegnarne almeno una. La prima copertina del “The New Yorker”, del 1925 Sua Maestà “The New Yorker” La lista dei grandi autori che hanno prestato la loro arte per illustrare la prima pagina del “The New Yorker” è lunga e prestigiosa. Saul Steinberg, Will Cotton, Jean-Jacques Sempé, Art Spiegelman, Barry Blitt, Bob Staake, Anita Kunz per citarne solo alcuni. Più recentemente Chris Ware, Daniel Clowes, Adrian Tomine, Cristoph Niemann, Kadir Nelson. E poi gli italiani: Lorenzo Mattotti su tutti, con una collaborazione più che ventennale, ma anche Olimpia Zagnoli e – recentissimamente – Bianca Bagnarelli. “The Parisianer”, quindi, ha ripreso il formato delle cover del famoso magazine statunitense, ha cambiato il nome della testata mantenendo però il riconoscibile font – e ha iniziato a commissionare ogni settimana un’illustrazione a un artista diverso. Un successo immediato, che ha visto partecipare all’iniziativa i migliori talenti d’oltralpe. La “milanesizzazione” del format Adelghi e Lionetti hanno importato il format in Italia, milanesizzandolo e chiamandolo per l’appunto “The Milaneser”. Con l’aiuto dell’Associazione Illustri hanno coinvolto le migliori matite italiane chiedendo loro di trasferire in immagine la storia, la cultura, la società, gli avvenimenti del capoluogo lombardo. Le altre cover del libro pubblicato da Bonvini: da sinistra, Giordano Poloni, Kevin Niggeler e Chiara Ghigliazza In tre anni sono riusciti a raccogliere – settimana dopo settimana – più di 130 illustrazioni (e quindi copertine di un magazine immaginario) ora presentate in questo bellissimo volume che confeziona al meglio tutta la produzione. “The Milaneser – La città che stiamo diventando” – questo il titolo completo dell’opera – si presenta in quattro diverse edizioni, con le cover di Carlo Stanga, Chiara Ghigliazza, Kevin Niggeler e Giordano Poloni e allestito con brossura ed elegante rilegatura a vista. Da sinistra: Marianna Tomaselli, Monica Alletto e Daniele Simonelli I mille volti (illustrati) di Milano All’interno le immagini trasferiscono perfettamente lo spirito della metropoli e le molteplici sfaccettature che la compongono: Milano capitale del design ma anche fiera detentrice di antiche tradizioni, lo spritz e i tram, le bici e le case di ringhiera, senza dimenticare il periodo buio dell’emergenza Covid. Philip Giordano, Alice Piaggio e Fabrizio Morra Lettera d’amore alla città I testi che accompagnano il volume lo rendono non solo un’opera artistica ma anche un saggio che – come detto – copre tutti gli aspetti della città. La prefazione è ovviamente firmata dal sindaco Beppe Sala. Subito dopo Lara Aldeghi racconta il suo rapporto con Milano e con quella che sembra essere una lettera d’amore spiega molto bene lo spirito dell’operazione. Concludendo così: “Di una città non ci si innamora delle strade, dello skyline, dei parchi. Non ci si innamora delle persone che ci vivono. Ci si innamora dei simboli di un’appartenenza a cui chiediamo di confermare che sì, ci siamo anche noi, anche noi siamo Milano”. Tocca all’altro autore, l’art director Stefano Joker Lionetti, descrivere la parte grafica, entrando in technicalities che contemplano i caratteri tipografici della testata e che ragionano sulla continuità visiva con il settimanale newyorkese che ha ispirato il progetto. Marco Goran Romano, Joey Guidone, Andrea De Luca Poi i testi di cinque personalità che hanno intrecciato indissolubilmente le loro professioni e le loro vite con il tessuto della città: Chiara Alessi, Gianni Biondillo, Giovanna Castiglioni, Luca Misculin e Davide Oldani. Testimonianze di un rapporto vero con la città che vivono fieramente. E infine loro, la parte più importante di questo volume: le illustrazioni, realizzate dai migliori talenti in circolazione. Francesco Poroli, Giulia Neri ed Elia colombo Tutti presenti Marianna Tomaselli, Alberto Casagrande, Alice Piaggio, Nazario Graziano, Andrea Bozzo, Camilla Falsini, Fernando Cobelo, Isabella Bersellini, Elisa Macellari, Alice Iuri, Nicolò Canova, Elisa Seitzinger, Laura Pittaccio, Simone Rotella e tanti, tanti altri artisti hanno partecipato al progetto. Immagini, con stili e idee diverse, tutte accompagnate da un testo che ne spiega il significato e che rende la parte redazionale del libro impeccabile tanto quanto quella visuale. “The Milaneser – La città che stiamo diventando” si rivela un libro/catalogo fondamentale per chi ama la grafica: uno sguardo colorato sulla città ma anche la fotografia dell’illustrazione italiana contemporanea. E ha il grande pregio di aver reso più bella e comprensibile Milano anche per me, cuore romano non più prevenuto. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti30/12/2023
Bruno Bozzetto, il Disney italianoSimone Tempia racconta in un volume la vita e le opere del grande maestro dell’animazione La copertina de “Il signor Bozzetto – Una vita animata” Chi lavora nel mondo dell’editoria sa bene che la qualità di una biografia dipende dal protagonista. Più questi ha cose da raccontare e più il testo sarà avvincente. Nel caso del libro “Il signor Bozzetto – Una vita animata”, pubblicato da Rizzoli, che narra per l’appunto la storia di Bruno Bozzetto, maestro dell’animazione, non solo il primo attore ne ha di aneddoti da farci conoscere, eccome. Ma anche Simone Tempia – che delle gesta di Bozzetto si è fatto portavoce scrivente – a mio avviso ha aggiunto del suo, andando a realizzare un’opera unica, a tratti travolgente. Un nuovo mestiere Ma andiamo con ordine e partiamo dall’inizio, e quindi da Bruno Bozzetto. Nato a Milano nel 1938, disegnatore, animatore e regista – una sorta di Walt Disney italiano – la sua particolarità è quella di essere sempre stato positivo e ironico. E – come spesso accade per gli artisti – visionario. Tanto da inventarsi – con l’aiuto fondamentale di un nonno artista e di un padre creativo – un mestiere che quasi non esisteva. O meglio – aldilà dei pionieri fratelli Pagot – il ruolo dell’animatore non era mai stato strutturato come invece fece Bozzetto. Creando uno studio, una moderna bottega rinascimentale, una vera e propria fucina di artisti che dalla Milano degli anni Sessanta approdò nel 1991 direttamente a Hollywood per la Notte degli Oscar. Ironia e professionalità Al motto di “la verità è la più alta forma di ironia esistente”, Bozzetto racconta a Simone Tempia – che a sua volta lo racconta a noi – la sua vita privata e la sua vita professionale. Un doppio binario sempre parallelo e spesso sovrapposto carico di aneddoti e incontri che solo all’apparenza sembrano fortuiti mentre in realtà sono la logica conseguenza di un talento e una professionalità fuori dal comune. Il signor Rossi, personaggio ideato da Bozzetto nel 1960 Dopo i primi cortometraggi, Bruno Bozzetto creò lungometraggi che ebbero grande successo. Il signor Rossi, uno dei suoi personaggi più amati, incarnò il modello dell’italiano medio e fu il protagonista di molti film. È del 1965 l’opera “West and Soda”, western surreale a cartoni animati. Nel 1968 fu la volta di “Vip – mio fratello superuomo” e nel 1976 Bozzetto – alzando sempre più il tiro – realizzò “Allegro non troppo”, ambiziosa risposta allo storico film “Fantasia” di Walt Disney. Due illustrazioni che accompagnano il volume (a sinistra, la creazione di “Allegro non troppo”) Bozzetto lo racconta così: “Spesso “Fantasia” e “Allegro” sono stati paragonati, ma tra le due opere c’è una differenza di fondo. Disney ha dato forma visuale ai brani di musica classica, è come se li avesse descritti. Io, invece, ho cercato di raccontare le storie che sentivo essere racchiuse all’interno delle composizioni. È come se ne avessi estratto l’essenza narrativa”. I grandi successi Negli anni Ottanta il sodalizio con Piero Angela, grande divulgatore che si avvalse dei cartoon di Bozzetto per semplificare la scienza nel suo fortunato programma televisivo “Quark”, diede all’animatore la fama e le risorse economiche per nuovi progetti, anche sperimentali. Nel 1990 vinse l’Orso d’oro al Festival di Berlino con il cortometraggio “Mister Tao” e l’anno seguente con “Cavallette” ottenne la candidatura agli Oscar. Esilarante il racconto della personalissima cerimonia degli Oscar: Bozzetto cedette il suo esclusivo invito alla cena di gala a un amico e preferì concludere la serata al bancone di un Diner. Non senza aver prima condiviso il tempo di una sigaretta con una bellissima Kim Basinger nel pieno della sua carriera cinematografica. Ma questo è solo uno dei mille strani episodi di cui è costellata questa altrettanto strana biografia. L’Italia prima e dopo Carosello I disegni di Bozzetto Infine, i disegni di Bozzetto. Tutto il volume è accompagnato da illustrazioni dell’artista che – con la semplicità del segno che lo ha sempre contraddistinto e che a tratti ricorda Sempé – visualizzano i punti più salienti della trama. Dietro le quinte Veniamo ora all’autore del testo, Simone Tempia. Che ha avuto il difficile compito di mettere in sequenza una vita piena di avventure e – soprattutto – ha il merito di essersi reso trasparente per illuminare al meglio il protagonista del libro, il signor Bozzetto. Cosa non scontata – quella di posizionarsi in secondo piano – per l’autore di un grande successo editoriale come la saga di LLoyd. Lloyd è il maggiordomo immaginario creato da Tempia che – partendo da Facebook – ha conquistato un pubblico sempre più ampio che si è affezionato alle sue battute pungenti che affrontano comuni problemi quotidiani. E che è stato interpretato visivamente da illustratori sempre diversi, creando così una serie di pubblicazioni eterogenee ma al contempo riconoscibili. Una striscia di “Vita con Lloyd” llustrata da Jacopo Rosati Società e mindfulness Tempia e Bozzetto insieme sono una forza della natura e realizzano un libro bello e appassionante. A tratti un saggio storico-sociale, in cui si racconta l’Italia che non c’è più, quella del Carosello e poi della Milano da bere. Ma anche un manuale di mindfulness: i maggiori successi di Bozzetto, infatti, nascono da un atteggiamento positivo di fronte alle difficoltà e ai fallimenti personali e lavorativi. Incuriosito da questa biografia a quattro mani, ho cercato e trovato nel vasto archivio di RaiPlay il lungometraggio “Allegro non troppo”. Ho scoperto un film incredibile, che alterna animazione ad attori in carne e ossa, di una lucida visionarietà e che trasmette in pieno la potenza e la profondità di un cinema ormai scomparso che accostava ironia e qualità. Valori che contraddistinguono Bruno Bozzetto, artista ultraottantenne che – in barba all’anagrafe – ancora oggi continua a sognare e realizzare i suoi progetti. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti25/11/2023
La guerra di Sonno“In un soffio” è il nuovo libro a fumetti di Michela Rossi, in arte Sonno. Attuale come il conflitto che racconta La copertina di “In un soffio” Il nuovo graphic novel di Sonno si chiama “In un soffio”. Edito da Oblomov, è un lavoro maturo, contemporaneo e di qualità. Leggero nel tratto ma pesante nelle campiture, in bianco e nero ma con un colore verde acido ad accompagnare ogni pagina, chiaro nella scrittura e grave nel messaggio. Riflette, a pensarci bene, le qualità della sua autrice, difficilmente classificabile in un unico ruolo professionale. Fumetti dirompenti Michela Rossi – questo il nome di Sonno all’anagrafe – classe 1991, nasce dalla scena underground del fumetto romano che vede il suo momento più alto nel “Crack! fumetti dirompenti”, festival del fumetto indipendente. Sin dalla sua prima edizione del 2003 questo evento che si svolge al Forte Prenestino, storico centro sociale occupato della Capitale, ha sempre proposto novità interessanti e spesso anticipatrici di tendenze editoriali mainstream. Crack! Festival di fumetti al Forte Prenestino di Roma Underground e mainstream Ed è da qui che è partito il percorso di Sonno alla volta della sua prima pubblicazione: un racconto illustrato nell’antologia “La rabbia” (Einaudi, 2016), in compagnia di colleghi già affermati come Zerocalcare, Hurricane, Ratigher, Vincenzo Filosa. Per Fortepressa – la casa editrice del Forte Prenestino, e quindi siamo ancora nel panorama underground – nel 2019 esce “Anatomy of a sensitive person”, il suo primo libro. Un lavoro forse ancora acerbo ma che mette giù quelli che sono i temi della produzione artistica di Michela Rossi, una ricerca introspettiva sull’animo umano restituita ai lettori con chirurgico cinismo e autoironia. Prima di tutto tocca nascere Nel 2021 un’altra partecipazione in un’antologia dal titolo “Sporchi e subito” – curata da Fumettibrutti per Feltrinelli Comics. L’anno successivo, per la stessa casa editrice, arriva la seconda opera d’autrice. Si tratta di “Prima di tutto tocca nascere”, lavoro maturo e splendido in cui Mattia – alter ego maschile di Sonno – si rifiuta di camminare dalla nascita prematura fino alla sua maggiore età, quando si sbloccherà e troverà la sua strada. Due tavole di “Prima di tutto tocca nascere” Una metafora di una generazione – quella di Sonno – che alterna insicurezze e desideri, incompresa dagli adulti. Dal punto di vista stilistico, il bianco e nero accompagnato da un ricercato ciano rende molto bene l’angoscia giovanile. “Prima di tutto tocca nascere” ha vinto il premio Nuovi talenti al Romics – Festival internazionale del fumetto. Fumetti sui giornali Parallelamente a questo percorso artistico, dal 2021 fino al 2023 Michela Rossi – su invito del direttore Stefano Feltri – ha curato degli speciali dedicati al fumetto allegati al quotidiano “Domani”. Una tradizione, quella degli inserti disegnati, che in Italia ha nobili antenati: su tutti “Tango” de “L’Unità” e “Satyricon” de “La Repubblica”. E, più recentemente, le storie a fumetti di Zerocalcare su “Internazionale” e “L’Espresso”. Non tutti i giornalisti riconoscono all’arte del fumetto l’importanza di cui gode ormai in tutto il mondo: nella mia esperienza ho avuto la fortuna di incontrare un direttore – Lirio Abbate – che mi ha permesso di raccontare su L’Espresso il conflitto tra Russia e Ucraina attraverso le tavole illustrate di Nora Krug. Lo stesso lavoro era pubblicato in contemporanea da testate come “LA Times”, “El País”, “De Volkskrant”, “die Süddeutsche Zeitung”, a sottolineare quanto il medium fumetto sia ormai universalmente apprezzato (del progetto di Nora Krug ho approfonditamente scritto qui). Cover di due numeri del supplemento “Fumetti” Curatela di qualità Un plauso quindi va a Stefano Feltri per aver pensato l’inserto “Fumetti” e soprattutto per averlo affidato a Michela Rossi che – dimostrando una maturità fuori dal comune – ha realizzato un lavoro enorme, presentando al pubblico generalista – quello di un quotidiano nazionale – una selezione dei migliori artisti della nuova scena del fumetto italiano. Antonio Pronostico, Marta Baroni, Laura Angelucci, Cecilia Sammarco, Bambi Kramer, Hurricane, Simone Angelini, Valerio Bindi, Davide Bart Salvemini sono solo alcuni degli autori apparsi in questo progetto terminato con il cambio di direttore del giornale che lo ospitava. La prima pagina di “Cibo”, supplemento di “Domani” In tutto 20 uscite con quasi 200 fumettisti, tutti selezionati da Michela Rossi che – di numero in numero – pensava a un argomento monografico come filo conduttore dell’inserto. Mostrando una conoscenza approfondita del mondo del fumetto, sia classico che contemporaneo. Non a caso il progetto le è valso il Premio Stefano Beani per la migliore iniziativa editoriale ai Lucca Comics & Games Awards di quest’anno. Attualmente Michela Rossi continua a collaborare con “Domani”, selezionando i disegnatori per l’inserto mensile “Cibo”. Conflitti E torniamo quindi a “In un soffio”, ultima fatica dell’instancabile Sonno. Pienamente attuale, la storia parla di una guerra in un futuro non troppo distante. Dall’inizio del conflitto – quindici anni prima – la protagonista Erre combatte in uno scenario allucinante in cui esiste solo la primavera, con l’unico obiettivo di rivedere la sorellina Emma. Dopo la morte del suo amico Tizio, Erre passa dalla parte dei Topi, combattenti che difendono i paesi superstiti. Ma la sua vera battaglia è interiore e il suo passato ci accompagna in questa storia surreale e drammatica, raccontandoci i traumi personali della protagonista e anche quelli della guerra. Con uno stile – anche visivo – unico e atratti disturbante, come solo le grandi opere sanno essere. Due tavole di “In un soffio” Un lavoro difficile pubblicato da Oblomov, casa editrice che – grazie al padre padrone Igort – contribuisce fortemente alla divulgazione della “nona arte” con fumetti di altissima qualità. Altro esempio in uscita in questo periodo è il bellissimo “Diario di una cagna” di Céline Tran e Grazia La Padula, talento cristallino dell’illustrazione italiana. Altre due tavole di “In un soffio” È un ottimo periodo per il fumetto italiano, soprattutto per quello delle librerie che – rispetto ai prodotti da edicola – presenta un maggiore taglio autoriale. “In un soffio” è la riprova di questo momento e la conferma di un’artista, Michela Rossi aka Sonno, che – benché molto giovane – ha già raggiunto una maturità definita e promette di regalarci in futuro altre sorprese, sia come autrice che come curatrice. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti08/11/2023
Magma, il giornale indie ma con sponsorBottega Veneta supporta un nuovo magazine dedicato all’arte. E non è la prima volta Nel mondo sempre più in evoluzione dell’editoria cartacea di lusso, si è affacciato da poco “Magma”, un nuovo magazine di grande formato e rilegato come fosse un libro. Il primo numero di “Magma” Magazine di lusso Negli ultimi anni sono nati molti prodotti di questo tipo, con parecchie similitudini tra loro. I temi, innanzitutto. Ci si muove tra moda – da sempre il bacino più appetibile per la raccolta pubblicitaria – cultura e arte. E infatti “Magma” tratta proprio di arte e letteratura ma ha come sponsor “Bottega Veneta”, uno dei brand di moda più conosciuti e influenti a livello planetario. Proseguendo con il gioco dei raffronti, difficile non pensare a “Mastermind” per quanto riguarda l’aspetto. La creatura semestrale di Marie-Amélie Sauvé, fondata nel 2017 e arrivata al quattordicesimo numero, è anch’essa di grande formato e cartonata. Un vero e proprio bookazine che alterna pagine pubblicitarie delle più importanti maison della moda ad articoli e interviste dedicate a personaggi della cultura e delle arti. Sauvé ha messo a frutto la sua lunga esperienza di Fashion Director del New York Times Magazine e – una volta tornata in Europa, a Parigi – ha dato vita a “Mastermind”, portandosi dietro un importante portfolio clienti pubblicitari su cui fare affidamento. Apertura tipografica per le pagine sull’artista Sophie Calle La periodicità di “Magma” è invece annuale e in questo ricorda “Inque”, il magazine creato nel 2022 da Dan Crowe (direttore) e Matt Willey (art director) che in precedenza avevano fondato “Port”, pietra miliare della stampa indipendente internazionale. “Inque” è annuale e ha addirittura un arco temporale di vita delimitato: durerà una decade e di conseguenza giunto al decimo numero interromperà la pubblicazione (ne ho scritto qui). Esclusività e multidisciplinarietà Ma torniamo a “Magma”, protagonista di questo focus. La prima edizione cartacea – con tiratura limitata a 2.000 copie – diretta da Paul Olivennes, si ispira alle revues d’art del XX secolo e crea un dialogo tra 18 artisti e più di 80 opere d’arte e saggi letterali, tra i quali “Documents” di Georges Bataille (1929), la surrealista “Minotaure” (1933) e i primi numeri della gloriosa “Interview” di Andy Warhol (1969). La multidisciplinarietà artistica è alla base del progetto: cinema, fotografia, arte contemporanea, letteratura declinati in immagini e testi, per la maggior parte inediti. Nel primo numero – con l’introduzione di Hans Ulrich Obrist – imperdibili i testi di Agnès Varda del 1976 sulle fotografie di Claude Nori e di Erri De Luca che accompagna le foto parigine degli anni ’70 di Luigi Ghirri. Le foto di Claude Nori E poi la presentazione di opere (interessantissima l’artista norvegese-nigeriana Frida Orupabo, autrice di collage) e di luoghi (bellissime le foto di Villa Palagonia, palazzo barocco siciliano, scattate da François Halard e accompagnate da un testo di Goethe sullo stesso luogo del 1787). Differenti discipline artistiche si intrecciano e dialogano: l’architetta India Mahdavi e lo scrittore egiziano Alaa Al Aswany condividono la loro esperienza del Cairo, così come un dipinto di Lucas Arruda si accompagna a una poesia di Edouard Glissant. Inserti tridimensionali all’interno del magazine Esperienza di lettura unica Da un punto di vista grafico “Magma” è un paradiso e approfitta al meglio delle risorse economiche messe a disposizione da Bottega Veneta. La direzione artistica è affidata allo sperimentale studio grafico parigino Faye and Gina, fondato da Rocío Ortiz e Helena Kadji. Già abbiamo detto delle dimensioni (25,5 centimetri di base per 34,5 d’altezza) e della qualità dell’allestimento tipografico. La stampa è eccellente e all’interno si possono trovare inserti tridimensionali che rendono l’esperienza di lettura unica e interattiva. Addirittura un vinile 45 giri con testi recitati dalla scultrice rumeno-americana Andra Ursuța. Le pagine dedicate a Villa Palagonia di Palermo. Testo di Goethe Le foto di Villa Palagonia scattate da François Halard L’impegno di Bottega Veneta E infine va sottolineato l’interesse di Bottega Veneta verso il mondo delle arti e dell’editoria indipendente, frutto della strategia di Matthieu Blazy, divenuto direttore artistico della Maison nel 2020. Nel 2022 l’azienda italiana ha rilanciato “Butt”, storica rivista queer fondata nel 2001 da Gert Jonkers e Jop van Bennekom, che aveva chiuso i battenti nel 2011 rimanendo nella storia dell’editoria come il primo e più venduto magazine di informazione sulla comunità LGBTQ+. Poi il supporto al progetto del Padiglione Italia alla Biennale di Venezia nel maggio 2023. Nel giugno dello stesso anno, Bottega Veneta ha anche avviato una partnership con la rivista “Air Afrique”, testata che promuove l’arte e la conversazione Afro-diasporica. La rivista, ideata a Parigi da un collettivo di giovani e ispirata alle pubblicazioni panafricane del XX secolo, è stata presentata con un evento al Centre Pompidou. Le copertine dei magazine “Butt” e “Air Afrique” Via al dibattito Un’azienda, quindi, che ha deciso di puntare decisamente sul campo della cultura e in parte anche su quello dell’editoria indipendente. La domanda da porsi adesso è: fino a che punto un magazine può definirsi realmente indipendente se è lautamente finanziato da aziende private? Il dibattito è aperto ma intanto ci godiamo “Magma”, rivista capolavoro e oggetto da collezione che contribuisce ad alzare il livello dell’editoria contemporanea di qualità. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti18/10/2023
Come organizzare il proprio funeraleUn libro illustrato singolare e divertente ci introduce alla filosofia della sepoltura La copertina del libro “Funerali preparati” “Funerali preparati” è il volume scritto da Marco Taddei e illustrato da Michele Rocchetti pubblicato dalla casa editrice Quinto Quarto. Libri inauditi, singolari, belli, ben curati in ogni dettaglio, dalla progettazione alla produzione. Sono, queste, le caratteristiche alla base del catalogo di Quinto Quarto, casa editrice tra le più interessanti nel panorama editoriale italiano. Il catalogo di Quinto Quarto Ho già avuto occasione di scrivere a proposito del bellissimo “Visivamente”, volume pubblicato nella primavera 2022 e di “Extra Bold – una guida femminista inclusiva antirazzista non binaria per graphic designer”, saggio curato da varie designer tra cui spicca Ellen Lupton (ne ho scritto qui). Ma l’offerta della casa editrice di Faenza è piena di titoli interessanti: da “Ti spiego il dato” di Donata Columbro che affronta e analizza il mondo dell’infografica, a “Il libro del dildo”, in cui Pamela Cocconi (in arte Pamcoc) racconta il sesso in modo decisamente nuovo. A questi si aggiunge adesso “Funerali preparati”, scritto di Marco Taddei e Michele Rocchetti. Molto più di un libro illustrato, piuttosto un saggio di filosofia della morte o – meglio ancora – della sepoltura. Una doppia pagina con la facciata di un cimitero classico Filosofia della sepoltura Chi di noi non ha pensato almeno una volta a come potrà essere il proprio funerale? Che bara avrà? Come sarà vestito per l’eterno riposo e dove sarà sepolto? Ecco, in questo volume gli autori selezionano alcune figure della tradizione sociale e culturale italiana e immaginano le loro ultime volontà riguardo alle esequie. Le disposizioni di un matto di paese Prima o poi tocca a tutti L’uomo povero, la Strega, il Matto del paese, la Suora, il Robot, il Costruttore di labirinti, sono alcuni dei personaggi che raccontano – testualmente e visivamente – le loro preferenze in fase di trapasso. C’è persino un Bambinetto che si raccomanda di essere sepolto il più lontano possibile dalla scuola! Le disposizioni di un bambinetto I testi Marco Taddei è scrittore onnivoro, autore di racconti, sceneggiature e poesie. Ma il medium che lo vede maggiormente coinvolto è senz’altro il fumetto. Nel 2016 “Anubi”, creato in coppia con l’illustratore Simone Angelini, ha vinto il Premio Carlo Boscarato per il Migliore Fumetto al Treviso Comic Book Festival. Nello stesso anno inizia la collaborazione con Michele Rocchetti. “La Nave dei Folli” è il volume pubblicato da Orecchio Acerbo che vede Taddei ai testi (sperimentali e divertenti) e Rocchetti alle illustrazioni. Le disposizioni di una strega Le immagini Un connubio vincente che si ripete adesso con “Funerali partecipati”. Dove Rocchetti, artista esperto che ha al suo attivo molti libri, tutti decisamente interessanti, esprime al meglio le suggestioni mortifere dei vari personaggi. Le immagini create per questo volume sono potenti: i personaggi descritti visivamente in modo originale, vettoriale e classico al contempo, con echi di secessione viennese nelle texture che spesso li accompagnano. I luoghi – il camposanto, le bare, le piante architettoniche dei cimiteri – sono realizzate in infografica e donano all’opera tutta il sapore di un saggio antropologico, oltre che di un lugubre divertissement. Una doppia pagina che presenta varie tipologie di bara Infine, a corredo dell’opera, due appendici, entrambe molto utili. La prima consiste in un testo di Giorgio Manganelli su letteratura e morte scritto in seguito alla scomparsa del grande scrittore Jorge Luis Borges. E poi un formulario per appuntare le nostre disposizioni, vedi mai che – incuriositi da “Funerali partecipati” – non ci si voglia portare avanti nelle pratiche burocratiche della (speriamo lontana) dipartita da questo mondo… Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti12/10/2023
Aiuto! Siamo tutti un po’ GiorgiaFrancesca Arena ha realizzato un libro brillante e impietoso su una certa idea di sinistra La copertina di “Potevo essere Giorgia” “Potevo essere Giorgia – Autocritica di una ragazza di sinistra” è il primo libro scritto e disegnato dall’illustratrice Francesca Arena. Romana – ma vive a Milano – Arena collabora con molti giornali italiani e stranieri, dal “Corriere della Sera” a “Repubblica”, da “Linkiesta” (magistralmente curato graficamente da Paper Paper) al “Süddeutsche Zeitung”. Stile inconfondibile Di lei già scrissi su questo sito, analizzando “Cook” il magazine del “Corriere della Sera” dedicato alla cucina (leggi qui), che ospita spesso i suoi disegni. Paragonai il suo stile – basato su un inconfondibile tratto nervoso e volutamente incerto – a quello di grandi artisti come Jean-Jacques Sempé e R.O. Blechman. Adesso, con l’uscita di questo volume pubblicato da Rizzoli Lizard, Francesca Arena non solo conferma quell’aspetto artistico, ma aggiunge al suo percorso professionale una sceneggiatura brillante e incisiva che la fa entrare di diritto nel mondo della satira d’autore. Evelina, la protagonista del libro di Francesca Arena Satira al femminile Perché di satira – graffiante e sincera – si tratta. Satira politica al femminile, molto rara nel nostro Paese ad eccezione di Ellekappa – al secolo Laura Pellegrini – che dalle pagine de “La Repubblica” quotidianamente commenta i fatti del mondo e nazionali. Il volume “Potevo essere Giorgia” ha il respiro più ampio delle vignette one shot e mette in scena in modo chirurgico e impietoso il dramma della sinistra italiana. Evelina – la protagonista – è convinta, come tutti noi d’altronde, di essere di sinistra. Vota PD, è attenta all’ambiente così come agli altri, è antirazzista e sostiene la comunità LGBTQI+. Insomma, non ha nulla che possa mettere in dubbio il suo essere una buona e attenta cittadina. Evelina si fa domande… La Giorgia Meloni che è in noi Ma una sera, in seguito a un innocente gioco tra amici, Evelina scopre cosa realmente i suoi amici pensano di lei. Il verdetto è crudele: per chi le sta intorno lei è uguale a Giorgia Meloni. Da qui parte un’analisi – o meglio un’autoanalisi, propria dell’elettore PD – in cui Evelina mette in dubbio la sua vita tutta, accompagnata da uno spirito guida che mai si sarebbe aspettata di avere: Giorgia Meloni. Ogni sua riflessione viene rovesciata e restituita al mittente in modo drammaticamente critico e reale dal fantasma del Presidente del Consiglio, riproponendo celebri dualismi artistici: dalla mamma/nuvola di Woody Allen in “New York Stories” al nostrano Zerocalcare la cui coscienza deve perennemente fare i conti con l’armadillo. Doppia pagina “à la Robespierre” Gauche caviar Le quasi 150 pagine del libro scorrono velocemente ma ci colpiscono di continuo, prendendo di mira una comunità progressista in cui è difficile non riconoscersi, tra bottiglie di vino (molto probabilmente biologico e biodinamico), cene ordinate al delivery e spostamenti in sharing. Una feroce critica sociale e politica che ricorda da vicino le opere illustrate di Claire Bretécher, indomita fumettista femminista francese adorata da Roland Barthes e Jean Daniel. La morale della storia – se ne vogliamo trovare una – è che ciò che pensiamo di essere non sempre corrisponde a ciò che siamo veramente. E che un fumetto come questo ha la forza di farci riflettere sul ruolo che vogliamo avere nella nostra comunità sociopolitica. Forza che risulta tanto più incisiva quanto più veicolata con la leggerezza dei testi e con un tratto che – infine – voglio accomunare a quello del grande Vincino, artista eccelso e indimenticato che molti punti di contatto ha con Francesca Arena. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti26/09/2023
La musica del BauhausLa Scuola che rivoluzionò architettura e design ha sempre avuto uno stretto rapporto con la musica Nino Brisindi, art director del Gruppo Gedi, ci racconta lo stretto sodalizio tra musica, design e scuola Bauhaus. Proprio per questo ha intervistato Kai Hinrich Müller, curatore del weekend che il Bauhaus-Archiv di Berlino dedica al tema. L’articolo di Nino Brisindi è stato pubblicato su “Design”, allegato del quotidiano La Repubblica. Lo riproponiamo di seguito. Il manifesto che Joost Schmidt disegnò per la mostra del 1923 Si dice che nella lista delle sette arti la prima sia l’architettura e la seconda la musica. Forse chi l’ha stilata sapeva che tra le due corre buon sangue. Ne è una prova il Bauhaus: nato in Germania all’inizio del secolo scorso come scuola e diventato il movimento che avrebbe rivoluzionato architettura e design, ebbe uno stretto legame con la musica, che germinò dentro e fuori gli edifici-simbolo di Weimar e Dessau. Oggi, a cento anni dalla prima storica mostra del 1923, dal 22 al 24 settembre il Bauhaus-Archiv di Berlino dà il via al Weekend musicale del Bauhaus, tre giorni di concerti, ascolti guidati e talk, per svelare il legame tra la celebre scuola e la seconda delle arti. A raccontare origini e intenzioni dell’iniziativa è il musicologo Kai Hinrich Müller, tra i curatori del weekend. Come è nata l’idea del weekend musicale? «È il frutto di un progetto di ricerca iniziato nel 2021. La musica è indissolubilmente legata al Bauhaus, anche se nella scuola non c’erano corsi sulla materia. Prendiamo la storica mostra del 1923, che quest’anno festeggia il suo centenario. In quell’occasione molti famosi avanguardisti erano ospiti a Weimar, e nelle aule della scuola si suonava. Il weekend è un’occasione per far conoscere al pubblico la grande importanza che la musica ebbe per il movimento». Che musica si ascoltava nei locali di Weimar alla mostra del 1923? «La prima mostra del Bauhaus era necessaria per ottenere i finanziamenti del governo. Per questo Walter Gropius, tra i fondatori della scuola, e i suoi colleghi organizzarono un evento molto ampio: certo è lì che venne presentata la Haus am Horn, la casa prototipo di Georg Muche, ma era compreso anche un vasto programma collaterale, che includeva contributi letterari e musicali: protagonisti furono i capolavori di Ernst Krenek, Paul Hindemith, Igor Strawinsky e Ferruccio Busoni. Fu sempre in quell’occasione che il pubblico poté assistere al Balletto triadico di Oskar Schlemmer. Il direttore d’orchestra doveva essere Otto Klemperer, musicista molto vicino al Bauhaus, ma per vari motivi non gli fu possibile assistere. Così il violinista e direttore d’orchestra Hermann Scherchen si occupò di stilare un programma definitivo incentrato sulle avanguardie musicali. Il “Prager Tagblatt”, quotidiano cecoslovacco in lingua tedesca dell’epoca, pubblicò la recensione di Gisella Selden-Goth, allieva e pupilla di Bartók e Busoni. Diceva: “Stravinskij e Busoni affascinano, Krenek e Hindemith infastidiscono”». La Bauhaus jazz band in una foto del 1930 C’era particolare affinità tra le idee innovative del movimento e la musica neoclassica che si stava affermando in quel periodo? «Non mi concentrerei solo su Bauhaus e musica, ma allargherei il panorama alle arti in generale, compresa ad esempio la letteratura. Con il crollo del vecchio ordine globale dopo la prima guerra mondiale, un clima di generale sconvolgimento portò a una contrapposizione tra idee radicalmente nuove e i tentativi di conservare quelle vecchie e superate. Emerse in questo periodo il concetto di “nuova musica” che era nuova nel nome e nella sostanza. Alle idee del Bauhaus erano associati i protagonisti della “Nuova oggettività” come Paul Hindemith o Igor Strawinsky. Ma c’era spazio anche per Bach: in fondo il movimento aveva una forte connessione con la storia e la tradizione. Il suo stesso nome deriva da “bauhütte”, parola medievale che indica la loggia dei muratori». La storia racconta anche di una band interna alla scuola. «Si trattava di studenti che si ritrovavano per improvvisare danze e canzoni popolari. Successivamente si orientarono verso il jazz. La Bauhaus jazz band, è così che si chiamava, si esibiva regolarmente agli eventi della scuola, poi estese la sua attività anche al di fuori dei suoi locali. Il fotografo e pittore T. Lux Feininger, che era un componente del gruppo, amava dire: “L’idea Bauhaus non è stata uccisa dal Terzo Reich, e la band appartiene a questa idea tanto quanto i mobili in tubo d’acciaio”. Purtroppo non esistono registrazioni, ma è possibile ricostruirne il repertorio. Ne parleremo naturalmente al weekend». Un costume per il Balletto di Oskar Schlemmer, ispirazione per Ziggy Stardust, personaggio creato da David Bowie nel 1972 (a destra) Come andò avanti poi il rapporto tra Bauhaus e musica? «Anche se non c’era una visione specifica, la musica era presente in molti luoghi della scuola e aveva spazio nella vita di tutti i giorni. Per Paul Klee era parte delle lezioni, poi come abbiamo detto era nel programma della mostra del 1923, o ancora c’erano concerti nell’ambito degli eventi. Nelle sue memorie Paul Arma, pianista allievo di Bartók, menziona che Mies van der Rohe voleva istituire una classe di musica nella scuola. Arma aveva già organizzato con successo una serie di conferenze e concerti alla sede di Dessau sul tema della musica contemporanea e le sue possibilità. Il Bauhaus esercitava una grande attrazione per le avanguardie musicali. Le nostre ricerche rivelano che la maggior parte dei protagonisti della musica contemporanea dell’epoca erano in qualche modo collegati al movimento: alcuni offrivano le loro composizioni per i concerti nelle aule, altri frequentavano i maestri della scuola. C’è anche il caso di Herbert Hübner: fondatore di Das neue Werk, uno dei programmi radiofonici più influenti sulla nuova musica in Germania trasmesso da Norddeutscher Rundfunk, era anche uno studente del Bauhaus. È difficile dire quanto il movimento influì sulla musica, o viceversa. Certo affascinava i protagonisti delle avanguardie. Ma ci sono poche testimonianze concrete sul loro legame. Piccola eccezione è l’opera lirica: molti “bauhäusler” amavano l’opera, alcuni collaborarono con lo storico teatro Kroll, altri ancora lavorarono come scenografi nei teatri europei. Difficile non pensare che l’estetica scenica come la conosciamo oggi abbia subito trasversalmente l’influenza del Bauhaus». Viene in mente il Balletto triadico di Oskar Schlemmer che ha citato prima e che ha inciso poi sulla danza, i costumi e la coreografia moderna. «Nei programmi dei concerti di oggi si fa spesso riferimento al Bauhaus, quando si sottolinea che alcune opere furono eseguite nei locali della scuola. C’è poi come dicevamo la partecipazione di compositori alla Settimana del Bauhaus del 1923, e ancora l’affinità con maestri della pittura come Wassily Kandinsky, Paul Klee e Lyonel Feininger. Questi sono i grandi nomi, ma ce ne sono altri meno famosi che frequentarono le idee del Bauhaus o che furono in qualche modo legati al movimento. Ancora: la Bauhaus jazz band venne ricostituita, e oggi ci sono gruppi che fanno riferimento alla scuola. Addirittura una band gothic-rock britannica si chiama “Bauhaus”». È troppo? «Possiamo dire così: l’entusiasmo generale del movimento si è allargato anche alla musica. Il marchio Bauhaus ha successo. Noi però continueremo a osservare le cose da un punto di vista accademico. Da quando abbiamo iniziato le nostre ricerche, sono nate tante altre domande a cui vogliamo dare risposta». Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti30/08/2023
Crossroad Comics, il fumetto interattivoEsce per Oblomov un volume illustrato originale e sorprendente firmato da Sergio Algozzino La copertina del volume edito da Oblomov È appena uscito – pubblicato dalla casa editrice Oblomov – garanzia di qualità nel mondo dei fumetti – “Crossroad Comics”, ultima fatica in ordine di tempo di Sergio Algozzino. Algozzino è un artista poliedrico che attraversa indistintamente tutti i campi della comunicazione visiva e non solo, dall’illustrazione al fumetto, dalla sceneggiatura alla produzione musicale. Alla base del suo lavoro c’è una conoscenza illimitata della cultura delle immagini che riesce sempre a trasmettere ai fruitori delle sue opere. Un libro interattivo “Crossroad Comics” nasce dall’omonima rubrica mensile che Sergio Algozzino disegna su Linus, storico magazine della citaliano. Raccoglie le pagine realizzate finora ma – sottolinea l’autore – rivedute e corrette, a volte ampliate, e soprattutto ne presenta di nuove, realizzate ad hoc per questo volume. Adoro Linus: a mio avviso il direttore Igort, Maestro riconosciuto del fumetto internazionale, sta realizzando un gioiello editoriale, avendo trovato il giusto mix tra grandi fumetti e alta letteratura. E adoro “Crossroad Comics”, la rubrica di Sergio Algozzino. Proprio per questo, libro alla mano, l’ho raggiunto per chiedere direttamente a lui alcune curiosità che riguardano questo lavoro e – più in generale – il suo percorso professionale. Ne è uscito un dialogo sincero, in cui emergono senza filtri la grande competenza culturale e la grande umanità di Sergio Algozzino. La mitica Factory, patria della Pop Art ARTISTA UNIVERSALE Hai sempre alternato vari ruoli professionali all’interno del tuo vasto percorso artistico. Disegnatore, colorista, autore e sceneggiatore, docente e addirittura produttore musicale. Da cosa nasce questa capacità di cambiare funzione? Direi anzitutto passione e curiosità, perché amo il fumetto in tutte le sue forme e non riesco ad accontentarmi di un unico modo di fare. Sono i due elementi per me immancabili se si vuole davvero fare questo mestiere, che non si limita per me alla sola capacità tecnica/estetica. O meglio, forse potrebbe anche limitarsi ad essa, ma, non essendo bravo come vorrei, mi piace affrontare e conoscere più aspetti della mia professione e farne parte nella sua totalità. Non sarò mai dunque fra i migliori disegnatori ma riesco almeno ad essere molto competente. Passione e curiosità mi portano dunque anche alle altre attività che hai nominato, che siano musicali o didattiche. Amo profondamente tutto quello che faccio, e se nel tempo mi è capitato di fare qualcosa “meno importante”, e crederci un po’ meno, ho capito di aver sbagliato. Sono diventato sempre più intransigente con questo mio aspetto. La doppia pagina dedicata al 1960 PARTIAMO DALL’INIZIO Sei culturalmente onnivoro: dalle tue opere si evince specificatamente una passione sfrenata per i fumetti, la musica, il cinema, la letteratura. Che formazione hai avuto e come hai iniziato a disegnare questi mondi? Mi sono reso conto, da grande, di avere affrontato questa mia passione fin da subito come una scelta naturale di vita. Sono sempre stato uno schiacciasassi, che pur di arrivare a un obiettivo ignora ostacoli e incidenti di percorso. Non avevo un ambiente familiare marcatamente artistico, eppure sono sempre stato convinto che avrei fatto fumetti. Chiaro che ho causato anche svariate preoccupazioni al riguardo, ma la mia convinzione è sempre stata così forte da riuscire a renderla credibile a tutti. Non ho neanche potuto fare una Scuola d’indirizzo, non erano così diffuse all’epoca, se non in altre città, ma la mia curiosità mi ha portato a studiare “naturalmente” tantissimo. Quindi anche a leggere e appassionarmi a tutto quello che fosse a fumetti. Per me non è mai esistita una distinzione fra fumetti italiani, francesi, americani o giapponesi, ho sempre e solo diviso fra fumetti buoni e fumetti meno buoni. La mia formazione è stata quindi anzitutto molto istintiva, approfondendo in maniera vorace ogni aspetto (non solo i disegni, ma anche la foliazione, la grafica, mi affascinava tutto!). Poi ho cercato di supplire alla mia impossibilità di iscrivermi a una Scuola di Fumetto rompendo le scatole a chi invece potevano frequentarla. Facevo domande per qualsiasi cosa, dal disegno alla scrittura. La musica è da sempre la mia grande amante, ho iniziato ad approfondire istintivamente anche quella fin dalla mia infanzia, e forse leggo più di musica che di fumetto. Non passo giorno senza leggere una nuova biografia di qualche gruppo o musicista. Amo mettere insieme tutti questi pezzi, e lo stesso faccio col cinema (o la televisione) e la letteratura, che cerco di frequentare e approfondire il più possibile. Non aver però fatto degli studi “ordinati” mi fa capire continuamente i miei limiti, non scrivo come vorrei, non dipingo come vorrei, non disegno come vorrei. Gli aspetti in cui mi sento più sicuro sono una visione “grafica” delle immagini, un certo istinto “musicale” (che vale anche per il disegno) e una grande conoscenza tecnica degli strumenti digitali e del colore. Cinecittà, il cinema a Roma CROSSROAD COMICS Parliamo di “Crossroads Comics”, pubblicato da Oblomov. Il volume nasce dalla fortunata rubrica che disegni ogni mese sulle storiche pagine di Linus. A mio avviso, da quando il magazine è diretto da Igort, è diventato tra le più interessati realtà editoriali del panorama italiano. Mi racconti in cosa consiste la rubrica “Crossroads Comics”? In fondo, è un po’ la summa della filosofia che ho cercato di esprimere prima: adoro conoscere piccole e grandi storie di personaggi (anche loro grandi e piccoli). Mi piace tantissimo evidenziarne le connessioni, non c’è niente di più entusiasmante che scoprire quando parli di una cosa che è legata ad un’altra che poi ti porta a una terza e così via. Mi sono reso conto – parlando con disegnatori ma soprattutto in questo caso con musicisti – che era una capacità che avevo approfondito nel tempo un po’ oltre il normale. Dal punto di vista grafico, essendo tavole con temi sempre diversi, e nate su rivista, sono anche la scusa per sperimentare tecniche e composizioni nuovi, senza fermarmi ad un’unica formula. Nel libro poi ho estremizzato il concetto dei collegamenti, perché se le pagine sarebbero leggibili a sé, ho fatto in modo che siano tutte connesse in sequenza, realizzandone quasi una cinquantina ad hoc e tornando sulle precedenti per uniformare meglio il tutto. Non volevo, insomma, che fosse “una raccolta di pagine a caso su argomenti a caso”. Nonostante tutto, è possibile leggerlo anche in quel modo, aprendo in qualsiasi punto senza farsi troppi problemi. Il Chelsea Hotel di New York e i suoi artisti maledetti PARLIAMO DI IGORT Com’è nata la collaborazione con Igort, all’anagrafe Igor Tuveri, direttore di Linus? Poteva nascere già prima, direi anche più di dieci anni fa. Ma la sua reputazione mi ha sempre spaventato. Mi spiego. Ho iniziato a fargli vedere dei miei disegni fin dalla nascita della Coconino (casa editrice fondata da Igort nel 2000 e poi abbandonata nell 2017, ndr). Fra tutti è sempre stato, per via del suo non essere “solo” un autore”, un punto di riferimento assoluto. Lavorare con lui è sempre stato un sogno, eppure mi spaventava, perché Igort è molto esigente e io sono uno che invece entra in crisi molto facilmente. Dopo l’uscita di “Nellie Bly”, per Tunuè, ho capito di aver trovato una strada più convincente, e più o meno dopo un anno dall’inizio della sua direzione di Linus, che avevo seguito fin da subito con grande interesse, mi sono detto: adesso posso. Così gli scrissi in maniera molto sfrontata, mi assegnarono pochi giorni dopo le prime illustrazioni (quelle su Stephen King, conquistandomi a primo numero la mia prima copertina, incredibile) e grazie a questa “paura” ho innalzato moltissimo la mia asticella. Da quel momento, a parte due numeri iniziali, sono presente ogni mese sulla rivista, ed ogni mese è una battaglia, non è facile, ma è una importantissima palestra. Due copertine di Linus disegnate da Sergio Algozzino IL NUOVO MATERIALE DI CROSSROAD COMICS Oltre alle rubriche di “Crossroads comics” uscite su Linus e ristampate, ne hai create molte altre appositamente per questo nuovo volume. Cosa hai approfondito in questa nuova serie? Le nuove pagine sono state pensate anzitutto per agganciarle tutte insieme, era impensabile, nella mia idea che dovessero essere tutte collegate, che lo fossero perfettamente quelle già fatte. Inoltre, era anche importante creare del materiale per rendere il volume un’opera inedita e ne ho approfittato per dedicare alcune pagine a temi a me molto cari che difficilmente potrebbero trovare spazio su Linus. È il caso delle pagine sulle sigle dei Cartoni Animati, o di quelle a catena sui Queen o anche quella dedicata ad “Ai confini della realtà”. Algozzino racconta anche le sigle dei cartoni animati anni ’80 LIBRO INTERATTIVO La lettura del libro è particolarmente intrigante, con un escamotage interattivo che collega ogni scheda a quella successiva o a quella precedente, ma che crea anche link storico-culturali tra i moltissimi personaggi dell’opera. Com’è nata questa idea? Mi rendo conto che se la connessione fra pagina precedente e pagina seguente sarà apprezzata dai lettori, i collegamenti ipertestuali (non cliccabili, purtroppo), che portano a pagine sparse nel libro, sono frutto della mia ossessione compulsiva. E sono ovviamente quelli che mi hanno fatto perdere più tempo in assoluto. Comunque, fin dalla proposta per le pagine di Linus, ho sempre immaginato questa come forma definitiva per il progetto. Il cinema in Italia, tra Kolossal e Romance L’ULTIMA DOMANDA, DA 100.000 DOLLARI Come vedi il presente e – soprattutto – il futuro del fumetto italiano? Sono sempre curioso. Il fumetto, non solo italiano, è fatto di corsi e ricorsi. Sorrido molto spesso quando nella mia bolla ci si sorprende per qualcosa che in realtà era già successa venti anni prima, ma in forma diversa, che potrebbe essere un genere di tendenza o uno in caduta libera. Studiando bene la storia del fumetto sono molto evidenti queste oscillazioni. In questo momento storico – parlando puramente di fumetto italiano – trovo entusiasmante che un autore giovane possa proporre un qualsiasi tipo di progetto disegnato in qualsiasi modo, basta che sia comunque fatto bene. Di contro, c’è tantissima gente, troppa, convinta che sia un mestiere facile o che basti soltanto assecondare una certa predisposizione al disegno. In questo scenario è inevitabile che poi, attraverso i social, decine di persone, se non centinaia, si lamentino deluse dal sistema. Ma una buona fetta non ha realmente capito quanto ci si debba impegnare e quanto il livello si alzi quotidianamente, e che bisogna conoscere il mestiere non solo dal punto di vista grafico. Ringrazio Sergio Algozzino per la sua disponibiltà e per le sue risposte, sincere e mai banali. Il viaggio di “Crossroad Comics” è appena iniziato e lo vedremo girare nei prossimi mesi nei più importanti appuntamenti dell’editoria a fumetti, dal Gamics Marche al Treviso Comic Book Fest, da Romics a Lucca Comics. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti19/08/2023
Il Salotto buono di New YorkA Williamsburg un laboratorio creativo che riunisce alcuni tra i migliori talenti italiani nella metropoli Usa Il logotipo di Salotto proiettato sul muro del loft A metà tra un hub creativo e un simposio tra amici, è da poco nato a New York, nel propulsivo quartiere di Williamsburg, Salotto. A fondarlo – e viverlo – un gruppo di professionisti italiani trapiantati nella metropoli americana, uniti dalla stessa visione artistica e di vita, esattamente a metà tra il dinamismo a stelle e strisce e la convivialità del loro paese d’origine. Chi fa Salotto Gabriele Rossi – che con Giorgia Lupi e Simone Quadri ha fondato Accurat, eccellenza mondiale nel mondo del data design – ne rappresenta l’avamposto statunitense e da Salotto gestisce e coordina il lavoro del team italiano per i clienti americani. Lorenzo Fanton è un designer e art director dal percorso professionale eterogeneo e importante. Prima Fabrica – laboratorio creativo internazionale di Benetton – poi un’esperienza in Australia e infine l’arrivo a New York. Dove ha lavorato nello studio di Stefan Sagmeister, in seguito con Ogilvy & Mother e per tre anni come senior designer in Pentagram. Attualmente è free lance. L’interno e alcuni dettagli di Salotto Gabriel Zangari è Managing Director della filiale di New York di DGI – Design Group Italia. Si tratta di uno studio di design multidisciplinare con sede a Milano, dove è stato fondato 55 anni fa. Con un team di 75 professionisti, DGI offre servizi di digital product design, service design, space design, brand design, product design e ingegneria. Vittorio Perotti è il fondatore di Yohoho Studio, agenzia che si occupa di brand, pubblicità e progetti digitali tra Milano e New York. Innovazione e sperimentazione sono le parole chiave alla base dei progetti che escono da questo studio moderno e flessibile. Emiliano Ponzi, illustratore e artista, si è trasferito a New York nell’agosto 2022. Chi segue questo sito conosce molto bene il suo lavoro che coinvolge tutti i campi della comunicazione visiva, dall’editoria alla pubblicità, dall’animazione all’arte contemporanea. Gabriele Rossi, Lorenzo Fanton e Vittorio Perotti La multidisciplinarietà di Salotto Giulia Zoavo è grafica e illustratrice. Amante della cultura pop e dello stile urbano, le sue immagini sono vettoriali, dinamiche e colorate. I suoi lavori per clienti privati e per agenzie sono accompagnati da una costante ricerca artistica. In questo modo unisce le due anime del designer, quella commerciale e quella artistica. Vanta collaborazioni prestigiose, in primis quella con lo studio Sagmeister&Walsh. Fabio Tridenti è un creative director. Si è formato a Milano dove ha lavorato per Young & Rubicam, una tra le più importanti agenzie pubblicitarie del mondo. Dopo un’esperienza a Dubai è arrivato a New York. Le sue campagne pubblicitarie, all’insegna dei colori forti e spesso molto ironiche, hanno vinto molti premi internazionali. Marco Rosella è regista e designer specializzato in animazione e mixed media. Lavora in 2D, 3D e realtà aumentata e le sue collaborazioni con brand esclusivi e importanti come NBC, Netflix, Spotify sono l’esempio concreto di come Rosella riesca a governare allo stesso modo tutti gli elementi della grafica animata. Alfredo Chiarappa è regista, fotografo e artista visuale. Ha realizzato reportage fotografici e cortometraggi riuscendo a trattare temi sociali senza rinunciare all’aspetto artistico del suo lavoro. Le sue opere sono state selezionate e proiettate nei maggiori festival cinematografici indipendenti. “The Performance” è il lungometraggio che ha diretto insieme a Caterina Clerici nel 2022. Una delegazione di docenti e studenti Rufa in visita a Salotto nel maggio 2023 Filosofia da Salotto Per sapere di più sulla filosofia e i programmi futuri di Salotto, raggiungo via Zoom tre dei fondatori: Lorenzo Fanton, Gabriele Rossi ed Emiliano Ponzi. Mi raccontano che l’origine di Salotto è da ricercare nel periodo della pandemia, esattamente a giugno del 2021. Fu allora che alcuni degli attuali componenti dello studio affittarono una casa nella Valle dell’Hudson per continuare a lavorare ma allo stesso tempo stare insieme tra amici. L’esperimento funzionò, lasciando a tutti la voglia di trovare un posto dove ripeterlo in pianta stabile a New York, una volta tornati a casa. L’occasione capitò quando si liberò un negozio su strada nell’edificio dove abitano Vittorio Perotti e Giulia Zoavo. Lo battezzarono “il Covo” e fu lì che proseguirono l’esperienza dell’Upstate. Rendendosi conto che intorno a quella situazione gravitavano tantissime persone interessanti. Insomma, quello che sembrava un semplice co-working, si stava rivelando una miniera inesauribile di rapporti sociali e professionali all’insegna della creatività e della comunicazione visiva. La scelta di Williamsburg Con l’arrivo di Emiliano Ponzi, lo scorso anno, nasce l’esigenza di trovare un posto più grande, in grado di accogliere e ospitare nel migliore dei modi i professionisti che lo vivono. Il loft di Williamsburg, quartiere tra i più dinamici della metropoli, diventa subito il luogo perfetto per proseguire un percorso nato dal caso in maniera organica. Presto si capisce che è la risposta perfetta per la domanda della comunità creativa italiana di fare rete, incontrarsi e confrontarsi. L’atmosfera è informale ma elegante, grazie anche agli splendidi mobili forniti da Flou, da subito sponsor dell’iniziativa. Gabriele Rossi presenta l’evento di stand-up comedy a Salotto Spirito internazionale Gabriele Rossi racconta la vocazione internazionale di Salotto che si sovrappone perfettamente con la filosofia di Accurat. Nata come società italiana, con tutto il valore aggiunto della cultura made in Italy, Accurat da subito si rivolse in modo spontaneo a un pubblico mondiale, principalmente americano. Anche Lorenzo Fanton percepisce Salotto come la naturale continuazione del suo percorso professionale. D’altronde già quando frequentò Fabrica – l’hub creativo di Benetton – la sua creatività era rivolta al mondo internazionale e si fondava sulle sinergie tra creativi. Proprio come adesso. Emiliano Ponzi mi fa notare che tutti i professionisti che frequentano Salotto hanno delle specificità ben precise, ognuna diversa dalle altre, e per questo nascono spesso collaborazioni tra di loro. Il primo evento Il primo grande appuntamento “pubblico” di Salotto si è svolto a luglio scorso, con una performance live del comico Luca Ravenna. Un evento nato per caso, in seguito al fortuito incontro tra Giulia Zoavo e Ravenna, in tournée a New York. La designer gli ha proposto di fare uno show a Salotto e lo stund-up comedian non si è fatto pregare, riempiendo il loft di Williamsburg di pubblico italiano ed entusiasta. Luca Ravenna durante la performance a Salotto La scelta di fare esibire Luca Ravenna gratuitamente – mi spiega Rossi – è alla base della filosofia di Salotto, il cui scopo non è monetizzare ma creare link tra persone. Ponzi e Fanton aggiungono che New York è una città carica di energia che funziona per microcomunità che ti aprono il loro mondo democraticamente e meritocraticamente. In queste micro comunità (all’interno della comunità degli italiani, c’è la micro comunità dei designer italiani, o degli art director, o dei registi e così via) non c’è competitività, al contrario di quanto si possa pensare circa la vita nella metropoli americana. Anzi, è interesse comune delle persone che si conoscono creare una rete che può sfociare – prima o poi – in collaborazioni professionali. Il pubblico durante lo spettacolo di Luca Ravenna Salotto futuro I prossimi mesi di Salotto si prospettano pieni di impegni: l’otto novembre inaugurerà la mostra di Steven Guarnaccia in occasione dell’uscita del nuovo libro pubblicato da Corraini editore. E poi, a gennaio, sempre Corraini presenterà “Il grande libro dei Sedicesimi”, volume cult su cui la casa editrice mantovana punta moltissimo. E tanti altri progetti e collaborazioni sono sul punto di essere definiti per il 2024. Insomma, i protagonisti di Salotto presentano a distanza di cinque secoli la stessa capacità maturata nelle grandi botteghe rinascimentali di permeare con la loro creatività mondi – e in questo caso anche culture – diversi per tracciare un segno che resterà nel tempo. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti02/08/2023
Van Orton, i gemelli PopUna grande mostra personale celebra il primo decennio di produzione artistica degli illustratori piemontesi Il manifesto della mostra “Prospettiva Van Orton” Il Forte Malatesta di Ascoli Piceno e la Palazzina Azzurra di San Benedetto del Tronto ospitano, fino al 7 gennaio 2024, “Prospettiva Van Orton”, la prima mostra degli illustratori Marco e Stefano Schiavon, in arte Van Orton. L’organizzazione L’esposizione è ideata e organizzata dall’Associazione culturale Verticale d’Arte e curata da Stefano Papetti, Elisa Mori e Giorgia Berardinelli. Spider Man e Flash interpretati dai Van Orton (2016) Papetti, storico dell’arte tra i più riconosciuti a livello nazionale e internazionale, partendo da una conoscenza sterminata dell’arte rinascimentale e barocca riesce ad avere una visione del contemporaneo originale e illuminante. Elisa Mori e Giorgia Berardinelli, motori perpetui dell’associazione Verticale d’Arte, dopo aver organizzato “Alchemica”, mostra di Elisa Seitzinger ad Ascoli nel 2022, con questa nuova fatica si confermano grandi conoscitrici dell’attuale illustrazione italiana. Porco Rosso, Spoke Art Gallery, New York (2018) Il visionario mondo dei Van Orton Per capire l’arte e l’estetica dei Van Orton, fratelli illustratori piemontesi in attività su più fronti della comunicazione visiva da più di un decennio, basta soffermarsi sull’origine del nome d’arte che si sono scelti. È preso in prestito da Nicholas Van Orton, protagonista del celebre film “The Game” di David Fincher del 1997, interpretato da Michael Douglas. Un vero e proprio cult generazionale, una pellicola che anticipò in modo chirurgico e sorprendente l’avvento dei reality show e della cinematografia distopica. Segnò il passaggio da un tipo di narrazione classica a un nuovo storytelling visivo, più dinamico e coinvolgente. “Lay Your Hands On Me”, artwork per il tour europeo dei Bon Jovi (2019) Tra classico e contemporaneo Ebbene, i riferimenti artistici di Marco e Stefano Schiavon trovano origine e traggono ispirazione da questo cambiamento di fine millennio. Con un occhio sempre attento verso la cultura statunitense, i gemelli di Rivoli fanno da ponte tra la più classica pop art e il mondo digitale, unendo e espandendo al massimo concetti, stili e cromie che fanno parte del nostro bagaglio sociale e visivo. È proprio questo il segreto dei Van Orton: con stile personale e inconfondibile – basato su outline potenti e colori dinamici – riempiono il loro lavoro di citazioni pop che tutti noi conosciamo e amiamo. Ecco quindi i remake di poster cinematografici, la rivisitazione di supereroi dei comics, di miti della musica e persino un ritratto di Dante Alighieri, a unire – come detto – la cultura più classica con uno stile avanguardistico. Key Visual per Scrambler Ducati (2023) Outline nera e colori decisi La linea nera che circonda le immagini contiene decine di colori e – anche nell’artwork più moderno – è facile cogliere rimandi ai rosoni delle chiese gotiche, a creare un corto circuito visivo che unisce stili, culture e epoche diversi tra loro ma che magicamente coesistono alla perfezione. Questo mix creativo ha reso lo stile dei Van Orton unico, catapultandoli da subito nel mondo della comunicazione visiva a 360°. Ecco quindi – tra i lavori in mostra – creazioni artistiche realizzate per Jovanotti, Alessandro Cattelan, per il tour europeo dei Bon Jovi del 2019 e per il concerto di Eddie Vedder a Firenze nello stesso anno. E ancora, collaborazioni per multinazionali come Disney, Swatch, Mercedes, Colmar e Ducati. Infine, i lavori editoriali, poster e illustrazioni per magazine. Il tutto con il caratteristico tratto Van Orton. Allestimento della mostra al Forte Malatesta Una sala della Palazzina Azzurra di San Benedetto del Tronto Esperienza immersiva L’esperienza della mostra, nel percorso diviso in due differenti sedi espositive, è coinvolgente e immersiva. Attraverso immagini, video, pannelli esplicativi, musica, proiezioni, oggetti e installazioni, il visitatore viene fagocitato dalla poetica degli artisti piemontesi. Infine da segnalare il bellissimo catalogo edito da Rrose Sélavy, imprescindibile per chi studia o lavora nell’ambito del graphic design. La progettazione grafica di Paolo Rinaldi, anima della casa editrice, è sempre di grande livello e – unitamente a una qualità di stampa altissima – presenta nel migliore dei modi il completo apparato iconografico e i testi critici. Nota: il catalogo è disponibile in quattro diverse versioni cromatiche di copertina. Una sala del Forte Malatesta To Be Continued “Prospettiva Van Orton” è quindi il primo, grande bilancio di una carriera artistica – quella dei gemelli Schiavon – che promette ancora sorprese e nuovi orizzonti da raggiungere nel campo della narrazione visiva. E non è un caso che – una volta visitata la mostra – la sensazione è esattamente la stessa di quando si vedono i film cult americani, quelli che hanno ispirato i Van Orton, e che sul finale recitano: “To Be Continued”. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti22/07/2023
Michele Jocca, il designer dei cartelli stradaliSu Artribune la storia del fumettista che disegnò la segnaletica stradale italiana e che è recentemente scomparso Alex Urso – artista, curatore e giornalista, da sempre attento ai temi della comunicazione visiva – ha scritto per il magazine d’arte Artribune la singolare storia di Michele Jocca, scomparso agli inizi di luglio e considerato il “padre” della segnaletica stradale italiana. Pubblichiamo una parte dell’articolo e il link ad Artribune, dove si potrà leggere il testo integrale. Si ringraziano l’autore e la testata per la gentile concessione. Gli appunti di lavoro di Michele Jocca Ci sono artisti di cui conosciamo le opere pur non avendone mai sentito il nome. Michele Jocca è probabilmente parte di questa categoria. Maestro “silenzioso” del disegno italiano, a lui si deve l’ideazione dei cartelli sparsi lungo le strade del Paese: immagini sintetiche e descrittive, che in poche linee e figure stilizzate condensano informazioni fondamentali per la viabilità e la sicurezza urbana. Nato a Calascio, in provincia dell’Aquila, nel 1925, Jocca è scomparso lo scorso 9 luglio a 97 anni, in una clinica di Roma dove era ricoverato da tempo. I personaggi dei fumetti creati da Jocca Artista pacifista I primi due decenni di vita di Michele Jocca sono caratterizzati da un viavai tra la sua terra d’origine e la Capitale. Trasferitosi a Roma insieme alla famiglia negli anni Trenta, torna in Abruzzo nel 1943. Qui, nel piccolo borgo di Calascio, cerca riparo dai bombardamenti che stavano mettendo in ginocchio le principali città del Paese. Renitente alla leva e per questo perseguitato dalle forze dell’ordine, l’artista ritorna a Roma dopo pochi mesi. Vivendo per diverso tempo nascosto in casa, scampando alla pena di morte. Dall’architettura ai fumetti Risalgono alla fine del conflitto le sue prime incursioni da professionista nel mondo del disegno artistico: grazie alla conoscenza con un giornalista del Messaggero, Jocca avvia alla fine degli anni Quaranta una serie di collaborazioni con case editrici minori di cui illustra le copertine e le pagine interne. Degne di menzione sono le storie scritte per Carosello: per il celebre programma televisivo pubblicitario lavora fino all’iscrizione alla facoltà di Architettura, abbandonata ben presto per dedicarsi ai fumetti (sono suoi i disegni per le riviste Crestarossa, Bambola e Amichetta). Il resto dell’articolo di Alex Urso lo trovate sul sito di Artribune, qui. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti04/07/2023
RIPIDO: creatività ad alta quotaRIPIDO Festival è alla seconda edizione: il meglio dell’illustrazione italiana ai piedi delle Dolomiti La locandina disegnata da Andrea Ucini Il 7 luglio parte la seconda edizione di RIPIDO Illustration Festival, evento che riunisce il meglio dell’illustrazione italiana a Brunico, ai piedi delle Dolomiti. Talk e incontri con gli artisti e gli addetti del settore della comunicazione visiva, ma soprattutto mostre – e quindi illustrazioni – visitabili per più di un mese, fino al 12 agosto. Il Telaio La qualità di questo tipo di eventi è direttamente e strettamente proporzionale alla passione e alla competenza degli organizzatori. RIPIDO Festival è pianificato dall’Associazione Culturale Il Telaio, Onlus nata a Brunico nel 1984 per iniziativa di un piccolo gruppo di volontari con l’intento di arricchire il panorama culturale cittadino. Il nome è stato scelto a simboleggiare un intreccio di manifestazioni di diversa natura, volte a riunire in un unico tessuto le varie componenti sociali e culturali cittadine. Da allora Il Telaio propone nel corso dell’anno varie iniziative di carattere musicale, letterario, teatrale, artistico e informativo. Tra queste, RIPIDO. “Tra le nuvole” di Bianca Bagnarelli I quattro cavalieri dell’arte Chi cura invece la parte artistica del Festival, sono quattro nomi che ben si conoscono nel panorama dell’illustrazione italiana. E che in termini di passione e conoscenza del settore, sono dei veri numeri uno. Cominciamo da Giulia Neri, illustratrice che da anni pubblica con grande successo su magazine italiani e internazionali. Sempre in movimento, il suo amore per il disegno l’ha portata addirittura ad aprire una galleria d’arte illustrata in Danimarca insieme al collega Andrea Ucini (ne ho scritto qui). E ovviamente a creare, insieme ai suoi partner in crime, RIPIDO. Federico Cano Correa ha fondato nel 2012 a Torino la galleria Caracol, che si occupa prevalentemente di illustrazione. Partendo dalla prima generazione di nuovi artisti che hanno rilanciato l’illustrazione italiana a livello internazionale, Cano Correa ha ampliato sempre più l’offerta della sua galleria. Parallelamente ha iniziato a curare mostre personali di illustratori fino a diventare – a mio parere – uno dei maggiori esperti italiani in questo ambito. Opere di Antonio Pronostico e Elisa Seitzinger Camilla Mineo è direttrice artistica. Dal 2015 guida Parma360, festival dell’arte contemporanea diffuso che offre una proposta artistica eterogenea e sorprendente. Insieme a Caterina Bonetti e Francesca Laureri ha creato Scintille Bookclub, community di amanti della letteratura che organizza e cura incontri culturali. Infine, last but not least, arriviamo a Roberto Balocco. Personaggio istrionico, nel 2010 ha creato il brand Le Palle, un mix di creatività e simpatia declinato su più supporti, dalle t-shirt alle mug. Nel 2020, insieme a Federico Cano Correa, ha lanciato Illustation, sito/galleria che propone stampe di alta qualità accessibili a tutti. “Al binario”, illustrazione di Manuele Fior La proposta di RIPIDO Abbiamo conosciuto meglio chi lavora dietro le quinte (ma anche davanti, a tutti gli effetti) di RIPIDO; vediamo dunque cosa hanno pensato per la seconda edizione del Festival. Cinque mostre, tanto per cominciare. Si parte con “Four Lines”, a cura di Caracol, che propone quattro artisti riconosciuti a livello internazionale: Bianca Bagnarelli, ormai autrice fissa sui magazine Usa, Manuele Fior, parigino di adozione dalla tecnica impareggiabile, Antonio Pronostico, maestro nell’utilizzo delle matite colorate e Andrea Ucini, asso dell’illustrazione concettuale nonché autore della locandina del Festival. Poi “Visions”, collettiva di dieci autori, tutti affermati e ognuno con un suo stile ben definito, a cura di Illustation: Francesco Bongiorni, Andrea De Luca, Lucia De Marco, Camilla Falsini, Chiara Ghigliazza, Joey Guidone, Daniele Morganti, Marta Pantaleo, Elisa Puglielli, Jacopo Rosati. “Simbolica”, come si potrebbe evincere dal titolo, è la personale di Elisa Seitzinger, artista che negli ultimi anni ha raggiunto un grande e meritato successo grazie a una visone gotica e medioevale che riesce a declinare perfettamente su temi contemporanei. Nello stesso spazio, Casa Ragen, in esposizione anche i vincitori dell’Annual 2023 dell’associazione Autori di immagini. L’ultima mostra in elenco si intitola “Onirica” ed è dedicata a Marina Marcolin, autrice che riesce a portare avanti parallelamente con la stessa poetica e intensità un’anima da pittrice e una da illustratrice. A completare il programma, nel primo weekend di RIPIDO si terranno molti incontri con alcuni dei protagonisti del Festival, da Pronostico a Bianca Bagnarelli, da Elisa Seitzinger a Fior. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti30/06/2023
Addio Italo Lupi, maestro della graficaMuore a 89 anni uno dei designer italiani più conosciuti e apprezzati al mondo Un ritratto di Italo Lupi Il grande designer Italo Lupi, uno dei padri fondatori della grande grafica italiana, è morto nella sua casa di Milano lasciando un’eredità professionale come pochi hanno saputo fare. «Un buon design è semplice, comprensibile da tutti, libero da complicazioni non necessarie, che risponde in maniera precisa alle necessità per il quale è stato creato e per le quali deve essere usato». La frase è proprio di Italo Lupi e la amava ripetere ai suoi studenti e – attraverso i suoi progetti – a tutti noi. Il mestiere di grafico Da queste parole è evidente come Lupi fosse discendente diretto di Albe Steiner, che rese il mestiere di grafico nobile e fondamentale per una crescita della società equa e democratica. Il grafico doveva progettare con un solo obiettivo: tendere al miglioramento delle condizioni sociali del cittadino. La grafica diventava così non più meramente estetica ma anche, soprattutto, politica. Talento precoce Nato a Cagliari nel 1934, studiò al Politecnico di Milano – città che non lasciò più – e, dopo una breve esperienza di insegnamento come assistente di Pier Giacomo Castiglioni, ad appena ventisette anni si dedicò al lavoro di consulente-immagine presso l’Ufficio Sviluppo de La Rinascente. Erano gli anni in cui in quell’ufficio lavorava anche Lora Lamm che – insieme ad Anita Klinz – fu una della prime art director italiane, in un’epoca in cui il ruolo della donna era ancora poco considerato a livello professionale. I lavori grafici de La Rinascente fecero epoca, restituendo perfettamente l’immagine del “miracolo economico” e di una città – Milano – che stava diventando centrale nell’economia nazionale ed europea. Gli anni de La Rinascente Italo Lupi scrisse di quegli anni: “L’Ufficio Sviluppo de La Rinascente era un polo di attrazione per tutto un mondo intellettuale e professionale. C’era Giulio Carlo Argan che veniva a trovare Morello, c’era Aldo Ballo, c’era il fotografo Libis, c’era Adriana Botti, Iliprandi, Amneris, Latis, c’erano tutti i grandi fotografi e i grandi grafici. Noi lavoravamo all’ultimo piano e sporgendo la mano potevamo toccare le guglie del Duomo: un luogo la cui bellezza mi è rimasta scolpita negli occhi. Era un posto che dava un certo orgoglio, anche professionale. La Rinascente era all’epoca al culmine della brillantezza intellettuale e professionale, esagerando un po’, come alla Olivetti, dove tutte queste intelligenze lavoravano assieme” (da “L’Architetto” n.5, settembre-ottobre 2019). Due copertina della rivista “Shop” Progettare riviste Dopo questa esperienza la sua carriera di consulente d’immagine decollò, portandolo a grandissimi successi, basati tutti sulla pulizia e riconoscibilità dei suoi progetti. Disegnò riviste pioneristiche come “Shop” (’71-’72), “Zodiac”, il leggendario house organ dell’azienda Olivetti, fortemente voluto da Adriano Olivetti stesso (‘70-‘73), “Abitare”, il mensile di architettura e design, a più riprese, la prima volta dal 1974 fino al 1986 e poi dal 1992 al 2007 dopo una parentesi di cinque anni a “Domus” sotto la direzione di Mario Bellini. Tre bozzetti di copertine per “Domus” Progettare gli spazi Fu un grande maestro nella progettazione degli allestimenti espositivi. Qui univa la sua passione e preparazione architettonica a quella grafica, e la sua artigianalità, il rigore e l’eleganza diventarono la sua inconfondibile firma. Si occupò nel 1968 della XIV Triennale e nel 1970 della X mostra del Compasso d’Oro al Castello Sforzesco di Milano. Dal 1979 al 1988 si occupò della comunicazione visiva della Triennale di Milano, dall’identità ai cataloghi, dai manifesti alle esposizioni. E poi ancora tantissimi eventi, tra cui le Olimpiadi invernali di Torino (2006), le celebrazioni per i 150 anni dell’Unità d’Italia (2011). Tre manifesti: per lo stadio San Siro (1990), per Domus (1988) e per la Triennale di Milano (1985) Riconoscimenti internazionali Nell’ambito della grafica pura, Italo Lupi creò alcuni dei logomarchi italiani più famosi al mondo: Fiorucci, Miu Miu, la Triennale di Milano, Museo Poldi Pezzoli, Tokyo Design Center. Il marchio di Fiorucci è del 1970 Lupi ricevette durante la sua lunga carriera molti premi e onorificenze: due Compassi d’Oro (1998, 2006), il Lifetime Achievement Award (2014), il German Design Award (2011), la Medaglia dell’International Design Award di Los Angeles (2012). Nel 2015 il Politecnico di Milano gli ha conferito la Laurea Honoris Causa in Design della Comunicazione. Nel 2014 è uscito per Corraini editore “Autobiografia Grafica”, un volume di quasi 400 pagine in cui Italo Lupi racconta il suo percorso professionale in maniera approfondita e definitiva grazie anche a un apparato iconografico completo. I marchi per Miu Miu e per il Museo Poldi Pezzoli Il ricordo di Emiliano Ponzi Emiliano Ponzi, eccellenza dell’illustrazione italiana, ha lavorato spesso con Italo Lupi. Ecco il suo ricordo: “Stavo presentando la mia prima monografia, “10×10” da Corraini 121 in via Savona. Sarà stato il 2010. Un signore distinto viene verso di me e si presenta: «Piacere Italo». Parlammo brevemente di linee, forme e regole compositive, di riferimenti e di venerati maestri. Una persona dalla grande curiosità, dall’occhio sempre acceso verso qualcosa che solleticava il suo interesse. Abbiamo lavorato diverse volte assieme da quel momento, mi ha sempre dato una grande libertà, si è sempre comportato con quel rispetto raro e prezioso verso l’altro, le opinioni e il talento altrui che solo i giganti portano in cuore. Una persona dalle straordinarie capacità professionali e umane. Una delle ultime volte che ci ho parlato mi chiamò per dirmi che mi voleva candidare per L’AGI (Alliance Graphique Internationale), altro segno della sua grande generosità e voglia di condividere. Ho altri ricordi ma questi sono i più vivi, porto con me un’idea di Italo come di una persona che avrei voluto frequentare di più, avrei voluto imparare di più sulla sua idea di mondo, avrei voluto ascoltare più storie, più esperienze lavorative, più difficoltà e come le ha risolte.” Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti21/06/2023
Le ragazze non sanno disegnareAl centro MO.CA di Brescia una mostra interamente dedicata alle donne del fumetto italiano “Le ragazze non sanno disegnare” è il titolo – splendido – della mostra organizzata da Marta Comini, Maria La Duca e Melania Gazzotti che si terrà al Mo.Ca – Centro per le nuove culture di Brescia dal 23 giugno a fine settembre 2023. Comini e La Duca sono le direttrici della sede bresciana della Scuola Internazionale di Comics, realtà che dal 2009 forma professionisti con una metodologia che unisce tecniche classiche e nuove tecnologie. Melania Gazzotti è storica dell’arte con una decisa passione per la grafica e l’illustrazione. Negli ultimi anni ha curato alcune tra le più interessanti mostre legate a queste aree artistiche. L’autrice di questa immagine è Barbara Baldi L’illustrazione italiana al femminile Dall’unione di queste tre professioniste – profonde conoscitrici della comunicazione visiva – è nato un appuntamento che indaga il mondo dell’illustrazione italiana femminile a 360 gradi. Uno spaccato puntuale di un movimento che, se adesso è in piena espansione, lo deve anche alle radici che sono cresciute dagli anni Ottanta in poi. Oggi son ben salde e hanno fatto fiorire una nuova generazione di artiste. In mostra, quindi, venti autrici con le loro opere al femminile e con stili, tecniche e approcci narrativi differenti ma che presentano le stesse tematiche contemporanee. Un’attenzione al presente, al quotidiano, visto con lenti che cambiano a seconda delle scelte artistiche e della matrice generazionale. Un’offerta di immagini, colori, storie che colpisce e stupisce. Un’illustrazione di Bianca Bagnarelli Il registro femminile contemporaneo e mai stereotipato è quindi alla base delle storie raccontate dalle artiste. Ma i contenuti si differenziano, per tema e scelte stilistiche: ci sono vicende ed emozioni personali, figure storiche poco conosciute ma che meritano invece attenzione, personaggi di finzione. Laura Camelli, Cristina Portolano, Wally Pain (Luana Francesca Belsito) Sara Colaone, Silvia Rocchi, Lorena Canottiere Artiste affermate E così possiamo apprezzare le tavole di illustratrici che pubblicano già dagli anni Ottanta e Novanta. Veri punti di riferimento nel panorama del fumetto italiano. È il caso di Laura Scarpa che ha avuto l’onore di pubblicare su testate storiche e prestigiose come “Linus”, “Alter Alter”, “Orient Express” e “Il Corriere dei Piccoli”. O di Leila Marzocchi che, insieme a mostri sacri del fumetto come Igort, Otto Gabos e Giorgio Carpinteri, fondò la rivista “Fuego”. Poi, ancora, Sara Colaone, artista pluripremiata autrice di molte graphic novel, Patrizia Mandanici che ha trovato il suo universo creativo negli albi a fumetti e Barbara Baldi dall’immaginario dark che l’ha resa unica e riconoscibile nel panorama dell’illustrazione femminile. Zuzu, Iris Biasio e Laura Scarpa Da sinistra: Leila Marzocchi, Lorenza Natarella e Rita Petruccioli Nuovi talenti (anche loro affermati) E tra le nuove leve come non citare Zuzu che con le sue due prime graphic novel “Cheese” e “Giorni felici” (Coconino Press) ha conquistato in un colpo solo pubblico e critica? Poi Wally Pain, all’anagrafe Luana Francesca Belsito, che racconta il sesso dei giovani in modo diretto, senza pudori e con una tecnica manuale da vero talento. Bianca Bagnarelli è ormai una star internazionale. Lorenza Natarella, con il suo stile originale e riconoscibile, si è imposta all’attenzione di tutti gli amanti dell’illustrazione. Cristina Portolano, Rita Petruccioli e Arianna Melone con i loro volumi a fumetti hanno aggiunto una narrazione moderna e fuori del comune alle pubblicazioni in commercio. Che la rivoluzione abbia inizio Tutte le artiste in mostra hanno storie da raccontare, ognuna a suo modo ma con un intento comune: dare credibilità alle figure femminili, fino ad oggi trascurate in questo settore, come purtroppo in molti altri. Una rivoluzione che – ci dimostra questo evento – è pronta per essere riconosciuta a livello nazionale e internazionale. Perché tutto si può dire delle ragazze, tranne che non sappiano disegnare… Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti14/06/2023
Glamour e fumetti. Addio a John Romita Sr.È morto uno dei papà di Spider-Man e di tanti personaggi Marvel. Introdusse nei comics una nuova estetica Il leggendario disegnatore di fumetti John Romita Sr. è morto all’età di 93 anni. La notizia è stata data dal figlio, anche lui disegnatore di fumetti, John Romita Jr. Romita ha avuto un’incredibile carriera nell’ambito dei fumetti di supereroi, co-creando personaggi amati come Mary Jane Watson, Wolverine e The Punisher. John Romita Sr. con una sua copertina di “The Amazing Spider-Man” Una leggenda nel mondo dell’arte “Lo dico con il cuore pesante, mio padre, John Romita Sr, è morto pacificamente nel sonno questo lunedì mattina”, si legge nel post pubblicato dal figlio e che prosegue così: “È una leggenda nel mondo dell’arte e sarebbe un onore per me seguire le sue orme. È stato l’uomo più grande che abbia mai incontrato”. Talento precoce Nato il 24 gennaio 1930 a Brooklyn, New York, John Romita Sr. si è laureato alla School of Industrial Art di Manhattan nel 1947 e ha iniziato a disegnare professionalmente da giovanissimo. Dopo aver lavorato come inchiostratore in una litografia, ha proseguito come artista fantasma (e quindi non firmava le sue tavole) alla Timely Comics, la società che sarebbe poi divenuta Marvel Comics. Lavoro, questo, che continuò anche mentre era arruolato nell’esercito statunitense. In quel periodo realizzò un revival di Capitan America del 1953-1954, in cui creò il personaggio di M-11 the Human Robot. Copertine di album dei super eroi disegnate da John Romita Sr. Tra DC e Marvel Nel 1958 Romita passò alla DC Comics, per cui lavorò a titoli romantici come “Young Love” e “Girl’s Love Stories”. Tornò alla Marvel nel 1966, prendendo quasi subito il posto del co-creatore di Spider-Man Steve Ditko dopo il litigio di quest’ultimo con Stan Lee. L’esordio su “The Amazing Spider-Man” avvenne con il numero 39. Durante il periodo in cui Romita lo disegnò, l’Uomo ragno divenne il personaggio della Marvel più amato e più venduto al mondo. Questo diede all’autore grande libertà espressiva e gli permise di creare nuovi personaggi divenuti leggendari come Mary Jane Watson, The Rhino, The Kingpin, The Shocker e George Stacy. La copertina di Spider-Man che celebra il matrimonio tra Peter parker e Mary Jane Watson Disegnò 56 numeri consecutivi della testata “The Amazing Spider-Man”, poi si dedicò alle strisce giornaliere in bianco e nero. Realizzò inoltre, anche dopo, tantissime copertine iconiche (da sottolineare quella realizzata nel 1987 nel numero del matrimonio tra Peter Parker e Mary Jane Watson) e molti spin-off della serie campione di incassi. Una nuova estetica Grazie ai suoi precedenti lavori nel mondo dei “Romance Comics”, Romita si distinse per l’introduzione del glamour nel mondo dei super eroi Marvel. A suo dire questo fu uno degli elementi fondamentali per il successo di pubblico e vendite dei comics da lui realizzati. Mary Jane Watson, Peter Parker, Gwen Stacy diventarono improvvisamente tutti belli, oltre che avventurosi, e questo portò un nuovo pubblico ad affacciarsi sulle pagine dei fumetti Marvel, senza però perdere quello precedente. Le strisce quotidiane di Spider-Man Nel 1973, Romita divenne ufficialmente direttore artistico della Marvel ed ebbe un ruolo fondamentale nei progetti di Wolverine, Luke Cage, The Punisher, Bullseye e Tigra. Romita lasciò la Marvel nel 1996, dopo trent’anni in cui diede un contributo fondamentale alla crescita planetaria della Company. È stato inserito nella Eisner Awards Hall of Fame nel 2002 e nella Inkwell Awards Hall of Fame nel 2020. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
racconti06/06/2023
Contest Mimaster L’Espresso 2023Come ogni anno è arrivata la collaborazione tra Mimaster e L’Espresso. Tutti i lavori degli studenti Il Mimaster è una scuola di formazione per illustratori che ogni anno collabora con L’Espresso attraverso un Contest. Fondata e diretta da Ivan Canu e Giacomo Benelli, con l’aiuto di Benedetta Lelli, è ormai da più di un decennio che ogni anno sforna nuovi talenti e professionisti della comunicazione visiva. La formula è semplice: i docenti sono chiamati a raccontare il loro mestiere e il loro rapporto con il mondo delle immagini. Ma soprattutto commissionano un vero e proprio lavoro attraverso un Contest a cui partecipano tutti gli studenti. Chi vincerà, vedrà pubblicato il proprio disegno. Il Contest 2023 Ho iniziato a partecipare al Mimaster già dai tempi in cui lavoravo per il quotidiano La Repubblica. Le modalità hanno sempre portato risultati eccellenti e perciò, quando nel 2018 sono passato a L’Espresso, ho continuato la proficua collaborazione. Anche quest’anno quindi mi sono recato a Milano e ho comunicato agli studenti il brief. Eccolo qui: si tratta di un’illustrazione su doppia pagina che apre la sezione delle Idee, ovvero quella parte del giornale dedicata alla cultura e curata da Sabina Minardi. Intelligenza Artificiale e Pornografia Il testo firmato dal sociologo Ivo Stefano Germano racconta come l’intelligenza artificiale sia arrivata in maniera massiva anche nel mondo della pornografia on line. Su Only Fans, infatti, sono sempre di più i profili di escort realizzati in modo digitale. Il desiderio oltrepassa la carne e diventa artificiale. Gli elementi a disposizione degli studenti per le loro illustrazioni sono quindi: sesso, pornografia, digitale, computer, intelligenza artificiale. A loro si chiede di fare riferimento al proprio bagaglio culturale visivo per poter ottenere idee – ancor prima che immagini – vincenti. L’illustrazione che ha vinto il Contest è di Chiara Chiesa And the winner is… È sempre sorprendente vedere come dallo stesso brief escano idee così differenti l’una dall’altra. Quest’anno i futuri illustratori si sono rivelati professionisti di talento realizzando layout di grande valore creativo e tecnico. Andiamo a vedere chi sono gli studenti del Mimaster 2023 e quali sono i loro lavori, partendo da Chiara Chiesa che ha vinto il Contest e ha visto la sua illustrazione pubblicata su L’Espresso. Chiara Chiesa è di Piacenza e ha studiato all’Accademia Nemo di Firenze, specializzandosi in editoria per bambini. Ma il lavoro con cui ha vinto il Contest Mimaster L’Espresso 2023 dimostra che ha un tratto che può essere applicato a qualsiasi tipo di editoria. L’impaginato definitivo pubblicato su L’Espresso La sua immagine è semplice e proprio per questo diretta. Mostra una donna di spalle nell’atto di togliersi la lingerie che non è di stoffa ma è composta da codici binari. La palette cromatica si adatta perfettamente all’argomento che illustra e in questo modo il colore brillante del codice binario si nota molto bene. Un ottimo lavoro che mi ha permesso di impaginare una bellissima apertura di cultura. Brava Chiara, continua così. Anna Micheloni e Annaclaudia Dionne Schermi e Fritz Lang Anna Micheloni è nata in Trentino-Alto Adige e ha studiato graphic design alla LABA – Libera Accademia di Belle Arti di Brescia. Ama l’editoria per bambini. Anna Dionne, di Terracina, ha studiato architettura. Molto interessante la sua proposta per il Contest in cui cita il poster di “Metropolis”, il film di Fritz Lang che già nel 1927 aveva preconizzato la robotizzazione del mondo contemporaneo. Erica Lazzeri e Francesca Roberto Ancora schermi e manga La torinese Erica Lazzeri ha un percorso di formazione artistico e ha poi studiato grafica e comunicazione allo IAAD. Un uomo davanti a molti schermi che mostrano figure femminili è la sua proposta per il Contest. In bello stile e dalla palette cromatica convincente. Francesca Roberto è di Tricase, in provincia di Lecce, e ha un percorso di studi umanistico: lettere classiche e sociologia. Analizzando la sua illustrazione, diretta come messaggio e ben definita nello stile, è evidente la sua passione per i manga. Citazioni cinematografiche: Chiara Valente e Erica Brucoli Cinema che passione! Chiara Valente, di Como, ha frequentato il liceo artistico e poi si è specializzata alla Scuola Holden di Torino. Autrice di libri illustrati, nel lavoro per il Contest ha presentato un’immagine che cita il poster del film “Nynphomaniac” di Lars Von Trier. Reso contemporaneo grazie a effetti di disturbo glitch, il lavoro di Chiara è tra i più interessanti. Ma se si parla di figure sexy e non tangibili, come non pensare a Jessica Rabbit, l’antesignana di tutte le pin-up digitali?E infatti Erica Brucoli, torinese con studi di fashion design alle spalle, ha disegnato proprio Jessica Rabbit sullo schermo di un telefono cellulare. Ottima intuizione, ben realizzata. Gilberto Dal Fabbro e Lisa Consolini Tra realtà e digitale Gilberto Dal Fabbro, veneto, ha studiato a Milano alla Scuola Internazionale di Comics e ha una sfrenata passione per i giochi di carte. La sua formazione fumettistica è evidente nell’illustrazione proposta in cui si richiama il quartiere a luci rosse di Amsterdam con le famose vetrine, stavolta in versione digitale. Lisa Consolini ha disegnato una scena in cui confonde il piano reale con quello digitale. Un uomo steso su un letto – che in realtà è un telefono cellulare – accarezza la sua compagna che però è un’immagine digitale sullo schermo del device. Idea convincente. Le due proposte di Lorenzo Sainati Medaglia d’argento Lorenzo Sainati è nato a Pisa e ha frequentato il corso di Graphic design alla NABA – Nuova Accademia di Belle Arti di Milano. I suoi lavori sono realizzati a tinte piatte e non a caso gli artisti preferiti di Lorenzo sono Tom Haugomat e Malika Favre. Per il Contest ha presentato due illustrazioni, entrambe valide e molto ben realizzate tanto che fino alla fine se la sono battuta con l’immagine che ha poi vinto. Bravissimo Lorenzo, sei già nel mondo dei professionisti! Lorella Todaro e Luana Paulis Punti di vista L’illustrazione di Lorella Todaro mostra una donna/sirena che esce da uno schermo e abbraccia un uomo inerme. A metà tra stile manga e fumettistico classico, ha nella composizione e nei colori brillanti il suo punto di forza. Luana Pulis – nata a Mantova – ha studiato Art direction alla NABA – Nuova Accademia di Belle Arti di Milano. L’immagine che ha proposto è sicuramente la più potente di tutte quelle presentate. Forse anche troppo, per un magazine generalista come L’Espresso. Ma il “doppio senso” utilizzato e la composizione altrettanto audace dell’immagine sono estremamente creativi e meritano di essere sottolineati. Marco Sabbia e Marta Campoli Circuiti elettronici e case delle bambole La donna cyborg di Marco Sabbia, poggiata su un circuito elettronico tradisce – in maniera positiva – le radici classiche dell’autore. Originario di Iseo, Marco ha infatti studiato pittura a Milano all’Accademia di Brera. Anche Marta Campoli, milanese, dopo il liceo artistico ha studiato grafica d’arte a Brera. Ha poi effettuato uno stage in una stamperia. La sua illustrazione è un’interpretazione moderna delle case delle bambole, giochi per bambine. Ma in questo caso, in ogni stanza c’è una sorpresa a sfondo sexy e alcune stanze presentano il lucchetto, proprio come su Only Fans. Una bella idea, ben realizzata, in cui convivono elementi tradizionali e contemporanei. Serena Garlaschelli e Sofia Agostini Il sexy cubo di Rubik Serena Garlaschelli, nata a Lodi, ha studiato allo IED – Istituto Europeo di Design e ha poi deciso di iscriversi al Mimaster per specializzarsi in illustrazione. La sua artista preferita è Suzy Lee, autrice di libri illustrati entrati nella storia dell’editoria per ragazzi. Serena ha disegnato una pin-up digitale che giganteggia in uno schermo, tra like e follower. Sofia Agostini è di Viareggio e ha alle spalle studi di graphic design. Adora il lavoro di Noma Bar, maestro della sintesi e del positivo/negativo. La sua proposta è tra le più originali: un cubo di Rubik con cui costruirsi la propria compagna digitale. Bella idea, ben realizzata. Teresa Cutrin e Teresa Rosso Oltre lo schermo La torinese Teresa Cutrin ha studiato architettura al Politecnico e in fatto di artisti ha le idee molto chiare. Adora Elisa Talentino, Guido Scarabottolo e Gianluca Cannizzo. Per il Contest ha realizzato una reinterpretazione delle case a luci rosse di Amsterdam e un enorme cursore di computer con cui scegliere tra le donne in vetrina. Teresa Rosso ha frequentato il corso triennale di illustrazione alla Libera Accademia d’arte Novalia di Alba, in provincia di Cuneo. Tra i suoi artisti preferiti Elisa Talentino e Andrea Serio. E – proprio come loro – predilige la tecnica manuale. La sua illustrazione per il Contest, infatti, è stata eseguita ad acrilico. Viola Sellerino e Ylenia Perrone Viola Sellerino ha una storia bellissima. Nata a Napoli, ha studiato e si è laureata in architettura e urbanistica. È poi andata a vivere e lavorare a San paolo in Brasile e da lì ha frequentato on line il primo trimestre del Mimaster svegliandosi – a causa del fuso orario – tutti i giorni alle tre del mattino (!) per non perdersi nemmeno una lezione. Durante il Contest – in presenza a Milano – mi ha conquistato con la sua simpatia e la sua grande passione per l’illustrazione. Che si evince anche dalla sua proposta: una donna digitale che è anche una marionetta i cui fili sono i chip di un circuito elettronico. L’ottima idea è supportata da uno stile già ben definito e da una palette cromatica molto valida. Last but not least, Ylenia Perrone è nata a Brindisi e ha studiato visual design alla Naba di Milano. È attratta dallo stile geometrico e colorato di Riccardo Guasco. Ottimo il suo lavoro per il Contest in cui un uomo è davanti ad alcuni schermi da cui si affacciano donne seminude. Lo stile è fresco, veloce ed essenziale. Molto buono l’aspetto cromatico. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
dialoghi24/05/2023
Jack Smyth e l’arte di vestire i libriIntervista al designer irlandese che ha appena ridisegnato le copertine di Italo Calvino per Mondadori Un autoritratto del designer irlandese Jack Smyth, art director irlandese di stanza a Londra, è uno dei migliori progettisti di copertine di libri a livello mondiale. In occasione del centenario della nascita di Italo Calvino, ha ridisegnato per Mondadori le cover dell’intera serie di libri del grande scrittore nella collana degli Oscar. Proprio in questi giorni è a Milano per l’inaugurazione della mostra “Calvino qui e altrove. Un percorso attraverso documenti e volumi conservati in Fondazione Arnoldo e Alberto Mondadori” e per un ciclo di lezioni al Mimaster Illustrazione. Grazie all’intercessione di Giacomo Benelli e Ivan Canu, fondatori del Mimaster, riesco a raggiungere Jack Smyth per fargli qualche domanda. Ci racconti la tua formazione? Come ti sei specializzato nel settore dell’editoria libraria? Mi sono avvicinato all’illustrazione e al graphic design intorno ai 25 anni, prima avevo studiato in Irlanda multimedia che è un po’ come dire: “niente”. È stato lavorando in un negozio di dischi, per il quale ho realizzato piccoli progetti di grafica, che ho iniziato a sentire la passione per il design e mi sono trasferito a Londra. Lì ho frequentato un master di un anno sulla grafica e mi sono immerso in questo mondo a metà tra design e illustrazione. In quel periodo ho partecipato al Penguin Design Award, un fantastico concorso, e mi sono davvero appassionato alla progettazione delle copertine, iniziando fin da subito a mescolare tecnica analogica e digitale. Speravo molto di vincere ma non è stato così, e non sono neppure finito in shortlist. Ma durante il processo di lavorazione per il concorso ho conosciuto al master un senior designer della casa editrice che ha apprezzato il mio lavoro e la mia dedizione e mi ha procurato uno stage. Quindi possiamo dire che da un punto di vista degli studi non sono né un vero graphic designer né un illustratore, ma qualcosa che sta nel mezzo. Ed è una collocazione in cui mi piace stare molto. Che differenza c’è tra essere art director free lance (come sei adesso) e lavorare invece all’interno di un grande gruppo editoriale (come hai fatto in passato)? Lavorare per 5 anni all’interno di una casa editrice è stata un’esperienza incredibile da cui ho imparato molto grazie al confronto con altri grandi professionisti della filiera editoriale. E mi ha anche insegnato che fare un libro significa prima di tutto conversare, comunicare veramente con il team di lavoro. Si cerca sempre l’optimum come ambiente di lavoro ma poi ci si accorge che non esiste. La ragione per cui ho lasciato dopo 5 anni è stata il desiderio di dedicarmi maggiormente alla parte di design, che sento più mia. Come free lance il 90% del mio tempo è concentrato nel confronto con il libro da copertinare e non sono distratto da call o meeting di redazione. Nella ricerca di migliorare sempre la qualità del mio lavoro ho sentito che l’ambiente del freelance è quello più adatto a me. La copertina del romanzo “The colony” Che linguaggio e messaggio visivo deve avere una copertina per raggiungere al meglio il pubblico a cui si rivolge? Per me tutto comincia e finisce dentro il libro. Cogliere il mondo immaginato nel testo, la sua realtà, è il compito che mi prefiggo sempre quando inizio a lavorare su una nuova copertina. Questo da un punto di vista concettuale. Passando alla grafica invece per me essere semplici e allo stesso tempo incisivi, talvolta audaci, oppure pacati, è un punto fondamentale. Cerco di non perdere mai di vista l’ambiente in cui vivrà il libro per la prima parte della sua vita: la libreria, lo scaffale, luoghi visivamente molto affollati. Qui ogni singolo libro reclama l’attenzione del visitatore. Considero sempre il cliente della libreria come qualcuno visivamente molto capace e intelligente. Credo che fornirgli un design a volte un po’ sfidante, un piccolo indovinello visivo, sia spesso una buona scelta che lo può gratificare. Nella tua vastissima produzione di book cover, utilizzi foto, illustrazioni e soluzioni tipografiche. Qual è la differenza tra queste tipologie di cover? Utilizzo questi diversi medium a seconda di quello che il libro mi richiede. A volte li combino, cercando la soluzione più aderente alla voce di quel testo, di quella storia. L’illustrazione e la fotografia parlano due linguaggi molto diversi e vengono recepiti dal lettore in una maniera altrettanto differente. È sempre il testo che mi guida: scelgo quello che meglio possa essere al servizio di quella determinata storia, di quel tono di voce. Certe volte realizzo una versione della copertina per ciascun diverso medium e poi mi metto in ascolto per capire quale sia in grado di restituirmi la medesima sensazione che ho avuto quando ho letto il brief – o l’intero libro – la prima volta. Due esempi di copertine tipografiche disegnate da Jack Smyth Molto ha a che fare con le sensazioni. Il nostro lavoro è quello di essere interpreti visivi di un testo e di riuscire a restituire visivamente almeno la nuance dominante di quella storia. La scelta del medium – in qualche modo – la fa il libro, riguarda il libro, non riguarda me, la mia individualità. Non ho mai studiato tipografia, sono un autodidatta, non ho un approccio accademico ai caratteri: li utilizzo come fossero illustrazioni, in maniera creativa. Le lettere hanno una forma prestabilita e questo è fantastico. Per esempio una E è composta da un tratto verticale e tre orizzontali; una volta che si rimane intorno a questo schema base si può fare tutto quello che si vuole. Trovo le copertine di solo tipografia molto belle, perché chi crea un type è come se avesse creato una lingua o meglio la lingua di quel libro. Automaticamente si indirizza il lettore a parlare questo “dialetto” perché non appena inizia a riconoscere le lettere del titolo sta già iniziando a sintonizzarsi col tono del libro stesso. Certo non credo che sarei in grado di impaginare bene un libro, non ho la formazione necessaria, ma in ogni caso sono davvero affascinato dalla tipografia. Mi piacerebbe molto vedere ridotta – se non annullata – la distanza, la separazione tra il mondo del graphic design e quello dell’illustrazione perché in fondo sono due linguaggi che operano nello stesso mondo. Due cover illustrate realizzate da Smyth Che differenza c’è – se c’è – tra progettare la cover di un libro per un autore esordiente e per un mostro sacro della letteratura? Rispondo a questa domanda ragionando dal punto di vista del pubblico. Per un esordiente il pubblico non avrà molte informazioni pregresse: non ne conoscerà il tono, il modo di scrivere, l’universo narrativo. Proprio per questo è necessario creare un riferimento visuale accattivante, che dia un segno preciso di questa nuova voce del panorama librario. Con un autore famoso invece ci sono delle aspettative, a volte anche un po’ di pressione da parte della casa editrice, e magari una certa tradizione visiva già stabilita da considerare anche quando si decide – o ci viene richiesto – di non seguirla. Mi piace molto lavorare con esordienti, mi piace cominciare con loro “dal piano terra”. Per esempio con Calvino sono stato io il primo a mettere pressione a me stesso per l’amore che fin da ragazzo ho avuto per questo autore italiano e in questo caso ancora di più ho dovuto mettere distanza tra me stesso e questo lavoro. Non riguardava me, riguardava Calvino. In ogni caso, sia per un esordiente che per un autore affermato, cerco sempre di offrire il meglio del mio lavoro, con la medesima dedizione. Tre cover progettate da Smyth per le opere di Italo Calvino Come detto, la casa editrice italiana Mondadori ti ha commissionato la progettazione dell’intera serie di libri di italo Calvino, all’interno della prestigiosa collana degli Oscar. Sembrerebbe una doppia responsabilità. Com’è stato confrontarsi con un autore del calibro di Calvino e con una collana di libri che nel passato è stata progettata da grandi designer? Realizzare la nuova veste editoriale dell’opera di Calvino ha rappresentato il progetto dei mie sogni. Calvino è un autore che amo e conosco da moltissimi anni e che risuona così intensamente in me. La redazione di Mondadori insieme all’art director Cecilia Flegenheimer hanno deciso di fare un concorso tra 4 diversi designer per assegnare la nuova uniform edition e questa cosa mi ha molto sollevato. Certe volte quando si lavora c’è questa voce dentro che ti dice “devi assolutamente trovare il modo di risolvere questa copertina perché sei tu quello a cui è stato affidato l’incarico”. In questa caso invece l’idea che ci potesse essere sempre un’altra opzione ha tolto un po’ di pressione alla prima fase di progettazione. Insomma, ci poteva essere sempre qualcun altro a fare il lavoro al posto mio. E mi ha anche permesso di essere più audace, di presentare un’unica proposta, quella che mi convinceva di più e che più mi aveva dato piacere nel realizzarla. Ho avuto la fortuna di essere un lettore di Calvino e di aver già interiorizzato la sua voce. Non intendo i personaggi delle sue storie, delle ambientazioni, dei caratteri; intendo la voce dell’autore in generale a prescindere dall’opera in cui si declina. In questo caso le copertine da realizzare sarebbero state 33, per opere molto diverse tra loro nel contenuto. La voce dell’autore per me è cruciale. E da irlandese il fatto che la voce di Calvino fosse arrivata così chiara anche a me è solo l’ennesima conferma della sua universalità, della sua chiarezza. Le storie di Calvino parlano a tutti, a prescindere dal background culturale o geografico, non perché siano banali ma perché ci rivelano elementi dell’esistere a cui magari non abbiamo mai prestato attenzione e che subito riconosciamo come veri e personali. Lavorare con il team di Mondadori è stato un grande privilegio perché ho sentito in loro la mia stessa passione nel dedicarmi a questo progetto. Allo stesso tempo ho percepito anche la libertà che mi è stata concessa, insieme alla fiducia nel mio lavoro. Ancora due copertine per Calvino Come sei arrivato alla sintesi del segno illustrato di queste copertine? Per la uniform edition ho realizzato un design molto semplice con un ampio spazio al centro che affidasse all’illustrazione il compito di esplorare e comunicare il tono di quella specifica opera di Calvino. Uno stile molto essenziale, con elementi grafici fissi e pochi colori ma decisi. Sono un grande appassionato di illustrazioni semplici e con pochi colori, come in questo caso: due colori pantone e poi il bianco e il nero. Questa semplicità rende un’immagine molto netta, efficace, con un sapore visivo che rimanda alla metà del secolo scorso ma che ha del contemporaneo, in grado di parlare sia a nuovi lettori che a quelli del passato. Calvino è un autore che parla a tutti, come ho detto, e ho cercato lo stesso risultato nel mio design. All’inizio avevo pensato che la tipografia potesse essere il fulcro centrale di questo progetto ma poi ho cambiato idea e mi sono spostato verso l’illustrazione: Ho voluto che questa fosse giocosa e intelligente senza mai essere superficiale. Proprio come il tono di voce di Calvino, un modo di ingaggiare l’attenzione del lettore con leggerezza mai banale. Le illustrazioni sono composte di pochi elementi disegnati in maniera analogica, perché penso sempre che avere degli elementi nati dal gesto materico scaldino una copertina, siano una testimonianza dell’umanità che per un po’ di tempo ha sostato, misurandosi, dietro quel design. Ogni illustrazione racconta un tratto del racconto o di un concetto se si tratta di un’opera non-fiction, e c’è sempre un’immagine nell’immagine, insomma un piccolo gioco visivo. Credo che per il lettore sia sempre una sfida desiderabile quella di avere nell’immagine un piccolo elemento da comprendere, da decodificare. Di nuovo: questo mi deriva dal mio considerare il lettore come un soggetto capace sia intellettualmente che visivamente. Di fronte a una copertina il primo livello è quello tipografico del titolo autore, poi c’è quello dell’illustrazione, ma se si aggiunge un piccolo gioco visivo allora si inserisce un terzo livello di percezione, di coinvolgimento intellettuale che rende più interessante l’esperienza di una copertina. Immagino che un’altra difficoltà sia stato anche il numero di copertine da realizzare… Il processo di realizzazione è stato lungo, 33 copertine da realizzare e per le quali volevo essere certe di fornire il contenuto visivo più appropriato. Il team di Mondadori ha sempre risposto con grande coinvolgimento alla mie proposte anche quando non sembravano ancora pienamente a fuoco. Un piccolo aneddoto: mi sono divertito quando l’art director mi ha comunicato che i “cuori” non erano adatti per Calvino. Così è stato, ma alla fine almeno uno sono riuscito a farlo passare! Anche in questo caso la redazione è stata un grande riferimento per me, un baluardo per restare il più vicino possibile a Calvino. Quando si guardano tutte e 33 le copertine insieme lo spettro di colori è molto ampio e in qualche modo sono felice che renda a colpo d’occhio – almeno in parte – la caleidoscopica produzione di Calvino. Per quanto riguarda la tipografia all’inizio avevo creato un font, molto bold, geometrico che alla fine è risultato troppo pesante. Ne ho dunque scelto uno diverso, con molta personalità ma che non cannibalizza il resto della copertina. Si tratta del Busorama, disegnato da Tom Carnase, un font in cui le lettere per il nome dell’autore si fanno eco l’una con l’altra, la N con la V, la O con la C, creando delle forme molto piacevoli. Un font che ancora conserva un sapore molto fresco malgrado l’età e che sono fiducioso possa funzionare ancora a lungo. A questo font ne ho affiancato un altro per il titolo dell’opera, il Brunel Deck di Commercial Type, uno dei miei preferiti tra i serif che malgrado sia recente – di un paio di anni fa – restituisce un’idea di classico senza tempo. Inoltre il font per il nome di Calvino, malgrado non sia di fresca data, da una parte ha quel sapore di preziosa eredità del passato – come Calvino stesso, appunto – e dall’altra ha il vantaggio, come tutti i font del passato, di essere già testato, di aver già passato la prova nel tempo dell’utilizzabilità e della leggibilità. In fondo quando creiamo una copertina dobbiamo sempre tenere in mente che non stiamo creando qualcosa per l’oggi, per la classifica dei libri della settimana, ma per il futuro, per un oggetto, come il libro, che avrà anni di vita davanti a sé. E quindi penso sempre di dover realizzare qualcosa per cui, spero, non si provi imbarazzo tra 20 o 30 anni quando qualcuno lo guarderà di nuovo. I libri e le loro copertine vanno oltre la nostra vita. Quindi credo che la tipografia di questo progetto aiuti allo stesso tempo a parlare al presente, al passato e abbia la stoffa per affrontare il futuro. Mi ha raccontato Riccardo Falcinelli, uno dei tuoi colleghi italiani più famosi e preparati, che quando presenta ai suoi committenti i layout delle copertine, spesso l’ultima parola spetta al responsabile marketing. Quasi a sottolineare che il successo di un libro è legato unicamente alle vendite dello stesso. Anche a te risulta questa modalità e – soprattutto – credi che il successo di un libro si misuri soltanto dalle sue vendite o “un altro mondo è possibile”? Nel mercato anglosassone al momento c’è una forte attenzione degli editori sulle copertine perché il valore visivo di un design trova ormai sfogo non solo sullo scaffale della libreria ma anche nella comunicazione online e sui canali social. Ha quindi ha ampliato la sua esposizione, la sua rilevanza. Io credo che meno persone sono coinvolte nel processo creativo e migliore è il prodotto finale. Lasciare libertà al dipartimento creativo – cioè art, editor e designer/illustratore – credo sia sempre la strada migliore. Insomma quando un design piace a troppe persone io ho sempre il sospetto che si tratti un prodotto un po’ noioso. Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Racconti”... leggi
racconti20/05/2023
Il linguaggio universale dei pittogrammiA New York una mostra celebra i 50 anni del “Symbol sourcebook”, il libro che ha svelato l’importanza dell’infografica Nino Brisindi, art director del Gruppo Gedi, ci racconta la mostra “Give Me a Sign: The Language of Symbol”, al Cooper Hewitt Design Museum di New York fino a settembre 2024. L’articolo di Nino Brisindi è stato pubblicato su “Design”, allegato del quotidiano La Repubblica. Lo riproponiamo di seguito. Poster ispirato al libro del 1972 “Symbol Sourcebook – An Authoritative Guide to International Graphic Symbols” di Henry Dreyfuss “When language fails, symbols work”, i simboli funzionano dove il linguaggio fallisce. Così iniziava l’articolo del New York Times del 26 gennaio 1972 che annunciava la pubblicazione di “Symbol Sourcebook – An Authoritative Guide to International Graphic Symbols”. Il libro, opera di decenni di lavoro del designer statunitense Henry Dreyfuss, è ancora oggi considerato il dizionario universale dei pittogrammi. Quei simboli grafici, cioè, che ci permettono ogni giorno di fare cose che diamo per scontate. Come, ad esempio, usare una fotocamera progettata in Giappone, scegliere la giusta direzione mentre prendiamo la metro a New York, capire dov’è il bagno mentre siamo sul volo per Singapore. La necessità di un linguaggio universale Per ricordare il mezzo secolo del libro – che in realtà ha compiuto cinquant’anni esatti l’anno scorso – il Cooper Hewitt Design Museum di New York ha pensato a una mostra. “Give Me a Sign: The Language of Symbols”, ha inaugurato il 13 maggio scorso e resterà aperta fino a settembre 2024. La curatrice, Emily Orr, ce ne parla iniziando dalla storia del libro: «Il Symbol sourcebook fu pubblicato perché le crescenti relazioni sociali e commerciali in tutto il mondo richiedevano un sistema di comunicazione comprensibile universalmente. Per questo il libro fu accolto come “il primo passo verso un mondo senza parole”». Henry Dreyfuss nel suo studio Dreyfuss, dai telefoni ai pittogrammi Henry Dreyfuss, che nel corso della sua carriera aveva progettato telefoni, fotocamere polaroid, locomotive, dedicò gran parte del suo lavoro allo studio e alla percezione di simboli universali. Lui stesso raccontava di quando, dovendo gestire una spedizione internazionale di giocattoli, decise di disegnare tre simboli sulla scatola. Due frecce verso l’alto (“this side up”) che indicavano come appoggiare il pacco; un calice (“fragile”) che indicava la delicatezza del contenuto; un ombrello aperto (“keep dry”) per assicurarsi che la merce non fosse esposta all’umidità. “Considerando che la spedizione partiva da Mosca, passava per Costantinopoli, il Pireo, Genova e Lisbona per raggiungere gli Stati Uniti, i miei simboli hanno parlato sei lingue” disse in seguito. I pittogrammi per le Olimpiadi di Monaco 1972 Nuove sensibilità culturali La mostra non si ferma però al Symbol sourcebook. Una sezione è dedicata ai pittogrammi che sono stati pensati o si sono evoluti per adeguarsi a nuove sensibilità culturali e necessità comunicative. Un esempio su tutti, il simbolo internazionale di accesso. «Nato nel 1968 dalla matita della studentessa danese Susanne Koefoed», racconta ancora Emily Orr, «raffigurava una persona seduta passivamente su una sedia a rotelle. In breve tempo il simbolo venne riconosciuto in decine di paesi e fu incluso nel libro di Dreyfuss. Nel 2010 gli attivisti Sara Hendren e Brian Glenney, con una operazione di guerrilla art modificarono i segnali di accessibilità sparsi per le strade di Boston, sostituendo la vecchia icona con un pittogramma più dinamico. Oggi il simbolo dell’omino che spinge la sua sedia a rotelle in autonomia è quello ufficiale, grazie anche al lavoro di rifinitura grafica del designer Tim Ferguson-Sauder ». Il simbolo internazionale di accesso fu realizzato da Susanne Koefoed A ogni messaggio il suo linguaggio Diversa la storia di altri simboli, nati per trasmettere specifici messaggi politici o sociali e poi riadattati a cause diverse se non addirittura opposte. È il caso dell’icona del pugno chiuso: «Pubblicato dal sindacato americano Industrial workers of the world nel 1917, “La mano che dominerà il mondo” dimostra come l’arte abbia fatto del pugno chiuso un simbolo di propaganda politica già agli albori del ventesimo secolo. Nei decenni a cavallo della pubblicazione del Symbol sourcebook, il pugno chiuso è diventato l’icona di movimenti per i diritti sociali come il Black power o il Black lives matter, ma anche di organizzazioni violente che incitavano all’odio razziale e alla supremazia dei bianchi. Oggi è un potente simbolo visivo che accende proteste studentesche, campagne contro la guerra, lotte di indipendenza e altro ancora». Due simboli universali: pugno chiuso e il triangolo con le sue diverse applicazioni In continua evoluzione Il mondo dei simboli è dunque in continua trasformazione, forse oggi come mai prima. Ma è sempre più dalle persone, dalla vita comune, dalle istanze sociali che una nuova icona prende vita. Basti pensare alle emoji. Anche se l’approvazione di ogni singola icona passa per il consorzio Unicode, chiunque può proporre un simbolo nuovo. Lo ha fatto Rayouf Alhumedhi, la ragazza saudita che vive a Vienna e che a quindici anni ha inventato l’emoji della donna con l’hijab, la sciarpa delle donne islamiche. Per questo, in occasione della mostra il museo Cooper Hewitt chiederà ai visitatori di partecipare alla pubblicazione di un nuovo Symbol sourcebook versione 2024. Spiega Emily Orr: «Il team che lavorò all’edizione del 1972 divulgò un questionario per raccogliere idee e simboli che società e aziende usavano nella vita quotidiana. Nello stesso spirito di collaborazione, oggi ogni visitatore della mostra potrà proporre un simbolo combinando elementi geometrici e colori o disegnare un pittogramma che richiami un posto che ama o una causa che gli sta a cuore. Ma anche chi non verrà alla mostra può condividere le sue idee. Basta disegnare un simbolo e postarlo sui social media aggiungendo i tag @cooperhewitt e #SymbolSourcebook2024». Scopri le altre sezioni del mio sito: Qui trovi gli articoli nella sezione “L’Espresso” Qui trovi le interviste nella sezione “Dialoghi”... leggi
espresso14/05/2023
Una copertina sempre attualeOggi come nel 1975 la cover de L’Espresso dedicata all’aborto è di rara potenza. Ecco la sua storia 2023: ancora una volta la copertina del 1975 viene citata, in questo caso con un gioco grafico La nuova copertina de L’Espresso è molto particolare. Presenta, con un gioco grafico, una vecchia copertina del giornale del 1975 appoggiata su una nuova cover, e il titolo recita “1978-2023. A che punto siamo”. Il riferimento è alla legge 194 della Repubblica Italiana che – dal 22 maggio 1978 – disciplina le modalità di accesso all’aborto. Anniversario importante In questo anniversario (1978-2023, sono passati 45 anni) e con il nuovo governo di destra, la legge 194 sembra essere a rischio tra propositi di riforma, medici obiettori e Pro vita. E purtroppo in questo momento storico non è l’unica conquista civile sotto attacco. Due prime pagine degli anni Sessanta Un giornale è un organismo vivente e – come tale – ha un suo DNA, una sua natura che lo contraddistingue e lo avvicina ai propri simili. E nel DNA de L’Espresso, sin dalla sua fondazione nel 1955, ci sono sempre state le battaglie civili, dall’aborto al divorzio all’integrazione sociale e culturale, iniziate in anni in cui l’Italia era completamente diversa. E infatti sono degli anni Sessanta le prime copertine dedicate a temi come l’aborto e il divorzio. Anni Settanta: arriva il colore, cambia il formato ma non le battaglie sociali de L’Espresso La copertina dello scandalo Altre copertine che trattavano gli stessi argomenti furono realizzate negli anni a seguire, accompagnando così l’evoluzione della società italiana. Ma la copertina che fece davvero scandalo, in un Paese bacchettone, cattolico e democristiano, fu quella del 1975, che abbiamo citato e riproposto oggi. Ecco la sua storia. La cover del 19 gennaio 1975 Campagna di civiltà Chi era la ragazza coraggiosa messa in croce? In croce come Gesù, e però femmina, incinta e nuda. Drammatica, con quella luce livida, e insieme dolce. La chioma nera che scende sul petto pallido, la morbida curva del ventre teso dalla gravidanza, le braccia snelle, l’ombra scura del pube. Era la copertina de L’Espresso del 19 gennaio 1975, e fece un putiferio, tra governo Moro, mondo cattolico, gerarchie vaticane. Il titolo era “Aborto: Una tragedia italiana”. E fu l’inizio, in un’Italia clericale arretrata sul piano del costume e dei diritti, di una grande campagna di civiltà: il diritto delle donne a fuggire l’aborto clandestino, a non dover commettere un reato penale, a vedersi riconosciuta la sovranità sul proprio corpo. I protagonisti Non si dimentichi che, durante la battaglia per l’aborto sicuro, il segretario del Partito radicale Spadaccia era stato arrestato, la polizia caricava i cortei e perquisiva le redazioni, il segretario Dc Amintore Fanfani chiedeva atti di censura su stampa e cinema. La campagna culminò con la legge 194 del 1978 che legalizzò l’aborto, e il referendum dell’81 che lo difese con successo dagli attacchi dell’Ancien régime. Preistoria? Quasi. Non c’era Photoshop, nel 1975. Era tutto vero. Vera la modella incinta e dolente, scelta dal fotografo Dante Vacchi, un professionista che aveva seguito la guerra d’Algeria per “Paris-Match”. Vera la tempesta politica provocata da Livio Zanetti direttore responsabile e Franco Lefèvre photo editor. La campagna contro l’aborto clandestino fu, come quella per il divorzio, un pilastro del battagliero L’Espresso anni Settanta, e quella copertina, con la sua forza iconica (poi ripresa, variata, citata in campagne femministe, nella fotografia d’arte, nella performance) entrò nella storia del giornalismo d’inchiesta e di denuncia. Due cover de L’Espresso negli anni Ottanta Immagine di rara potenza Poi, negli anni, ogni volta che L’Espresso si è trovato ad affrontare il tema dell’aborto non è mai riuscito a trovare un’immagine altrettanto potente. Tanto è vero che è stata richiamata in copertina molte volte, l’ultima proprio oggi. Nel 2018 l’illustratore Ivan Canu l’ha addirittura inserita a mo’ di poster nel disegno realizzato per il magazine. La cover del 1975 citata in un’illustrazione di Ivan Canu Il segreto della forza di questa immagine è nel contenuto simbolico. Sfida i maggiori tabù della società italiana: il sesso (la donna nuda), la religione (la croce), la maternità (la donna è incinta). E viene naturale chiedersi se oggi, a distanza di quasi mezzo secolo da quella copertina, sarebbe possibile proporre un’immagine di questo genere a un pubblico abituato ormai a vedere tutto ma – spesso – senza alcun significato profondo. E infine è altrettanto naturale pensare che – se ancora oggi abbiamo necessità di utilizzare questa copertina – forse in questi cinquant’anni la società italiana non ha poi fatto troppi passi in avanti. Qui trovi gli ultimi articoli nella sezione “Dialoghi” Qui trovi le ultime interviste nella sezione “Discorsi grafici”... leggi

il mio mondo

L'Espresso

L’Espresso è una rivista italiana fondata nel 1955.
È un settimanale e tratta di politica, cultura ed economia.
Dal 2018 ho l’onore di esserne l’Art director.
In questa sezione troverai ogni settimana la nuova
cover e le illustrazioni interne.

leggi

Discorsi grafici

Grafici editoriali, illustratori, giornalisti che si raccontano.
Ma anche libri in uscita, mostre in corso e suggerimenti professionali.

leggi

Dialoghi in video

Grafici editoriali, illustratori, giornalisti.
Interviste video ai professionisti che lavorano
nel mondo dei giornali.

leggi

amici